REPORT : KATSUYA KAMO EXHIBITON ’100 HEADPIECES’ @Laforet Museum Harajuku

国内のみならず、海外のファッション関係者からも一目置かれる世界的ヘアデザイナー、加茂克也

その加茂克也にフォーカスを当てた大型企画展が、ラフォーレミュージアム原宿で開催されました。

世界各地のショー会場や撮影現場などでの一回性の作品を再現した貴重な機会となりました。

会場では、ファッションショーやシューティングなどで使用された約250点のヘッドピースを一堂に展示したほか(一部はショーで使われたアウトフィットと共に展示)、

創作現場であるアトリエを再現した空間、創作過程を垣間見ることのできるポラロイドブック、

ファッションショーの映像、プライベートな時間に制作している約70点のオブジェも公開。
創作という側面の、彼の脳内世界が再現され、圧倒的なクリエイティブを体感できる展示となりました。

 

KATSUYA KAMO EXHIBITON ’100 HEADPIECES’
~A Japanese Hair Designer’s conspicuous images within his brain~
November 2nd-18th 2013@Laforet Museum Harajuku

Katsuya Kamo, is a maverick hair designer recognized by his outstanding works in the fashion world, both in Japan and abroad.
An exhibition focused on Katsuya Kamo was held at Laforet Museum Harajuku.
This exhibition had the prime opportunity of showing his works that were used only once for shootings and shows all over the world.
More than 250 of his head pieces(one part of the them were shown with the full outfit that they were actually used with) ,a space made just like his atelier, Polaroid books, movies of the fashion shows, and 70 pieces of artworks made in his private times were shown.
Images within his brain were fully shown, and made the exhibition full of his irresistible creativity.

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期間中には美容・ファッション・アート関係の方々を始め展示ブランドのファンの方々や学生の方々まで、
17日間で約2万人ものお客様にご来場頂きました。

同時に販売された”GASBOOK 29 KATSUYA KAMO”は大好評により期間中に完売となる大変な反響を頂きました。

 

In 17 days, over 20,000 visitors came to see the exhibition, commencing with Hair and Make-up artists, fans of the exhibit brands, and many students.
“GASBOOK 29 KATSUYA KAMO”, a portfolio book sold at the exhibition was sold out due to high popularity.

 

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期  間 : 2013年11月2日(土)~2013年11月18日(月)
会  場 : ラフォーレミュージアム原宿
主  催 : ラフォーレ原宿
企画制作 : 株式会社ラップネット、ガスアズインターフェイス株式会社
協  力:mod’s hair、JUNYA WATANABE COMME des GARÇONS、UNDERCOVER、mintdesigns
会場デザイン : 金子繁孝事務所
グラフィックデザイン:長嶋りかこ
W   E   B:http://www.lapnet.jp/event/event_l131102/

Date: November 2nd-18th
Venue: Laforet Museum Harajuku
Host: Laforet Harajuku
Planning/Production: LAPNET Inc., Gas As Interface Co.,Ltd.
Special Thanks: mod’s hair、JUNYA WATANABE COMME des GARÇONS、UNDERCOVER、mintdesigns
Venue Design:  Shige KANEKO Co.,Ltd.
Graphic Design: Rikako Nagashima
Attendance: 20,000

 
 
 
世界が賞賛する唯一無二のクリエイティブが詰まった一冊、
GASBOOK 29 KATSUYA KAMOはこちらよりご購入頂けます。

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REPORT & NEWS : Exhibition ”paint & draw – Ryo Matsuoka”

Atmosphereでは、神宮前 BLOCK HOUSE 4Fにて開催中の
paint&draw ”RYO MATSUOKA” の会期延長のお知らせと
現在の様子を写真によるレポートでお送りします。

開催期間 ~12/31まで延長
開廊時間 月・火 18:00~2:00
水・木・金・土 14:00~2:00
日 14:00~18:00
*イベント等で、ギャラリーを営業していない場合もありますので、
block house(03-6318-2003)にお問い合わせください。
http://www.ryoart.com/
http://blockhouse.jp/

12/31までアーティストによる制作が続けられます。
下記は現在の様子です。
興味がある方は是非、BLOCK HOUSE 4Fに足を運んでみてください!

REPORT : SHOHEI TAKASAKI Exhibition “FEW COLORS IN THE DARK”

Atmosphere would like to report the solo-exhibition of SHOHEI TAKASAKI
which held only for 3 days.
Please enjoy his master piece!

Atmosphereでは、3日間という短い期間に行われた
SHOHEI TAKASAKIの展覧会 ‘FEW COLORS IN THE DARK’の様子を
REPORTという形でお送りします。数々の名作をお楽しみください!

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REPORT: Exhibition of Ryuta Iida – “verbalizes -because I can’t see you-”

Atmosphere would like to report everyone about the solo-show of Ryuta Iida which is currently shown at Takuro Someya Contemporary Art. Please take a breath and look into his beautiful works with special care to the details and his sensitivity. His commitment towards the craftsmanship is just amazing.
Atmosphereでは、現在Takuro Someya Contemporary Artにて展示中の飯田 竜太の個展のレポートを御報告致します。息を大きく吸って、彼が作り出す繊細で細かな所にも配慮がなされた作品を是非ご覧ください。彼の作品におけるクラフトへの力の入れようは本当に素晴らしいものとなっています。
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「verbalizes –出会えないから言葉で–」
Ryuta Iida
“verbalizes -because I can’t see you-”
Nov 6 (Sat) – Dec 4 (Sat), 2010
Venue : Takuro Someya Contemporary Art, Tokyo
Opening reception : Saturday, 6th November, 6-8PM
飯田竜太
“verbalizes -出会えないから、言葉で-”
2010年11月6日(土)〜 2010年12月4日(土)
会場 : Takuro Someya Contemporary Art, Tokyo
オープニングレセプション : 2010年11月6日(土) 6-8PM
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Ryuta Iida was born in 1981 in Shizuoka. He is now living and working in Aomori. After graduating from sculptor course at Nihon Univerity College of Art, Iida started to collect old and valuable books. He has been creating his work by curving them.
飯田竜太は1981年静岡生まれ、青森在住の彫刻家。2004年に日本大学芸術学部美術科彫刻コース卒業。作家自身で古書や貴重本の収集を行い、それらを”彫る”事で作品を現してきました。
Iida took grand prize at graphic Hitotsubo competition in 2004. Since then he has been involved in numerous projects aroud the world. His work wich was used for the invite for the collaborative work between Comme des Garson and Ai Weiwei is still fresh in our minds.
飯田氏は、2004年にグラフィック一坪展グランプリを受賞しその後も世界各国で作品を展示してきました。Comme des GarsonとAi WeiweiのDMシリーズの一つに作品が採用されたことは、私たちの記憶に新しい作品の1つです。
Also, the collaborative work as “NERHOL” which is the unit with designer Yoshihisa Tanaka has been catching the collective eye as his another approach in his art activity.
またデザイナーの田中義久とのユニットNERHOLとしての活動も飯田氏の作品作りにおける1つのアプローチとして注目を集めています。
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Exhibition contained latest work of his series of works he has been working on called “ornament of book”.
今回の展覧会では、飯田竜太の作品を象徴するシリーズともなっている「ornament of book」の新作も発表されます。
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The book might have been in someone`s shelf. The passage of time the book experienced and the time author took to write cross over. Then, Iida crosses different time over it by curving the book to create un-readable sclupture and to put new meaning on it.
とある場所の本棚に並ぶ、時を重ねた書物が作家の重ねた時間とクロスし、読む事のできない彫刻となって新たな意味を持ってまた別の方向へ時間を刻みはじめます。
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iida has been trying to search / achive his work making under the subject of “Creation” and “Distruction”. This subject became his energy and he is continuously serching for the meaning within his art practice by this activity. The number of book he curved is countless. He told us that it might be not the number of books he curved but is the content of book or mening of the book he curves. But then, the meaning of book it self is not so importnat for him either. There are continuous questioning he has through his activity.
飯田氏は、創造と破壊という動作を繰り返しすることによって、作品の意味をさがしてきました。この主題は、彼の作品のエネルギーとなっています。彼が今までに彫ってきた本の数は数え切れません。彼にとって、彫った本の数よりも本の中身の方が重要であると飯田は言います。しかし、本の中身自体も作品においては大事ではないとも言います。彼の作品つくりにおいて、これは永続的な探求となっております。
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Latest work with post card. It is sentimental and delicate piece.
最新作となるポストカードの作品は、センチメンタルでデリケートな作品となっている。
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Another new work which are Iida`s new media that he started to curve. It is a text book for the calligraphy.
もう一つの最新作となるのは、飯田氏にとって新しいメディアとなる、習字の見習い張です。  
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Past show of Nerhol from below link:
Nerholとしての過去の発表作品:

http://gas.main.jp/atmosphere/2008/08/event_nerhol_exhibition_at_cal.html

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REPORT: Jonathan Zawada Latest Show at Scion Installation L.A

Atmosphere would like to report the group exhibition which Jonathan Zawada took part in.
Please enjoy his beautiful new work only shown in LA!
LAでJonathan Zawadaが参加したグループエキシビジョンのご紹介を致します。
LAでしか見れなかった彼の美しい作品の数々をお楽しみ下さい!
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Atmosphere have asked couple of question to jonathan in regards to this show.
Here’s the Questions and Answers;
アトモスフィアでは、このショーに関して、幾つかの質問をJonathanにしました。こちらが、Q&Aになります。
Q1. What is the name of your show?
ショーのタイトルは何ですか?
The exhibition was titled ‘It Was On Earth That I Knew Joy’, I titled my group of works ‘Can the Drummer Give Some Back’ which is also the title of a zine that Sixpack will be printing of works associated with the show.
エキシビションのタイトルは”It Was On Earth That I Knew Joy” (訳:「喜びを知っていた地球でのことだった」)。作品群のタイトルは”Can the Drummer Give Some Back”にし、これはSixpackがプリントをするエキシビションと関係がある作品を集めたジンと同じタイトルなんだ。
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Q2. What is the concept of your new work?
新作のコンセプトはなんですか?
The concept of the new work is something I have been calling ‘Cultural Entropy’ – it explores the idea that arts and culture are – like the thermodynamic universe – forever heading towards total disorder. With each generation of artists, their points of inspiration become more diluted, varied and fractured and the work the artists generate is in turn, more diluted, less pure and less capable of doing useful work for society.
作のコンセプトは、ボクが”Cultural Entropy”(訳「文化的無秩序化・衰退」)と呼んでいるもので、アートとカルチャーは、熱力学的宇宙と同様、完全な無秩序へ永遠に向かっている、という意味なんだ。各世代のアーティストのインスピレーション・ポイントはどんどん希釈されていき、変化し、破砕されていく。だから、そのアーティストが生み出す作品も同じように希釈さていて、ピュアさにも欠けるし、社会にとって意義ある仕事をする可能性どんどん低くなっている、ということ。
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I absolutely loved the exhibition, Lionel of Sixpack, who created the show managed to bring together a really wide variety of people who, to my eyes were creating really interesting and surprisingly deep and thoughtful work. It was really exciting to be able to participate in an exhibition on the other side of the world from my home city and it almost felt like I was having an exhibition for the first time again. The crowd seemed really positive and interested and, because I didn’t know anybody in LA, I felt like I could really just relax and enjoy myself and experience it all without being at all self conscious.
エキシビジョンは本当に最高だった。Sixpackのライオネルがショーをプロデュースしたんだけど、彼はとてもおもしろく、驚きのある、深い作品をクリエイトしている幅広いジャンルの人を集めることに成功していた。地元のある場所から地球の反対側でのエキシビジョンに参加できたのはボクにとってもスゴくエキサイティングだったし、まるで始めてショーをやっているような気分だった。お客さんもみんなとてもポジティブで、興味を持っているようだったし、LAに知り合いがいないので、人を意識せずに本当にリラックスしてエキシビジョンを楽しむ事ができたんだ。
Q3 What was the most exciting things about being LA?
LAに行って一番面白かったのは?
To be honest, for me, the most exciting part of being in LA was actually after the exhibition when we got to go on a road trip and drive around California, Utah, Nevada and Arizona. We explored so many national parks and experienced the sorts of vast and dramatic areas of nature that only seem to exist in America. We climbed down into the Grand Canyon, wandered into the middle of the Mojave desert and saw coyotes hunting in fresh snow on a Yosemite meadow – all of that was so completely amazing, beautiful and humbling that it has really changed my life I think!
正直言って、LAに行って一番面白かったのはエキシビジョンの後にみんなでロードトリップに行ってカリフォルニア、ユタ、ネバダとアリゾナを旅した事だった。本当に沢山のナショナル・パークを訪れて、アメリカでしか見れないような、広大でドラマチックな自然を体験することができたんだ。グランド・キャニオンを下っていったり、モハーベ砂漠のど真ん中をさまよったり、ヨセミテの草地でカヨーテが新雪の中を狩りしているのも見たりした。それらは全て、完璧に美しくて、素晴らしくて、人を謙虚にさせるもので本当に人生変わった、と思う。たぶん!
Q4 Please tell us about your future plan!
今後の予定を教えて下さい!
I’ve just started working on a big group of new work that will be shown in another gallery in LA, Prism Gallery, later this year. The work goes back to concepts of self similarity that I was exploring in my Boolean Values show but in what I feel are more personal and pure ways. I will also be contributing work to a large group show here in Australia called Disorder Disorder which will be at the Penrith Regional Gallery and is curated by Joseph Allen of IzRock. I am also working on a number of other commercial projects which are all quite varied and exciting but I can’t say too much about just yet! A lot of it is international work which is very exciting, I really love working with people from different countries and it is really exciting that we live in a time when I can work with people in Switzerland, London, LA and Tokyo all while I am in Sydney!
新しい作品群にとりかかり始めたばかりで、これはLAのPrism Galleryというところで今年の後半に見せる予定。この作品は、ボクが以前Boolean Valuesというショーで探求していた、自己相似性のコンセプトにさかのぼるんだけど、それよりはボクにとって個人的で純粋なものを対象としている。ここオーストラリでも、Penrith Regional Galleryで開催される”Disorder Disorder”という、IzRockのジョセフ・アレンがキュレーションを勤めるショーにも参加している。それ以外にも様々な商業的なプロジェクトに参加していて、どれも面白いんだけど、今のところはあんまり話せない!多くはインターナショナルな仕事でとても楽しい。違う国の人と仕事をするのが大好きなボクにとって、シドニーに住んでいながら、スウェーデン、ロンドン、LAそして東京の人と仕事ができる時代に生きているなんて、最高だね!
Process of work making:
Jonathan Zawada
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About Jonathan Zawada:
PROFILE/BIO
Born in Perth, Australia in 1981, Jonathan Zawada works as a graphic designer from his home in Sydney for many music, art and fashion clients such as Ksubi, Modular Records, The Presets, Surface to Air (France), Sixpack (France), RVCA, Nylon (USA), Lodown (Germany), Gas (Japan), Coca Cola and Fanta using a diverse range of mediums from website design to illustration. Jonathan was awarded an Australian Recording Industry Award for best album art in 2008 with The Presets, ‘Apocalypso’ artwork and has participated on several design award judging panels (including AWARD and the Melbourne Art Directors Club) and presented at numerous conferences for design in Australia (Including AGDA and Semi Permanent).
Jonathan is also one third of TRU$T FUN! makers of the backstage fashion comic, Petit Mal! and their self-titled accessory range which is sold worldwide in stores such as Liberty of London and Poepke in Sydney. TRU$T FUN!s list of clients include BMW, V Magazine (New York), The British Fashion Council and Topshop.
Parallel to his professional design work, Jonathan is also a practicing visual artist. He has had solo shows at Monster Children Gallery in Sydney, including ‘Semantic Webs’ in 2005 and ‘Boolean Values’ in 2008 and with collective TRU$T FUN! for the ‘Glory Holes’
exhibition in 2009. He has been a participant in many group exhibitions both within Australia and internationally.
1981年オーストラリア、パース生まれ。
シドニーでデザイナーとして音楽、アート、ファッションを中心としたクライアントの仕事を手掛けている。ウェブサイトのデザインからイラストまで幅広い表現の手法を使い、クライアントにはKsubi、Modular Records、The Presets、Surface to Air、Sixpack、RVCA、Nylon、Lodown、Gas As Interface、コカ・コーラ、ファンタなど多数いる。2008年のAustralian Recording Industry Association Awardsでは、The Presetsの「Apocalypso」のアートワークでベスト・アルバム・アートを受賞。その他にもMelbourne Art Directors Clubの審査員として参加する他、オーストラリアで開催されるAGDA やSemi Permanentなどのデザイン・コンファレンスで作品を発表している。またジョナサンは、バックステージ・ファッション・コミックのPetit Mal!のクリエイターであるTRU$T FUN! の3人のメンバーの1人でもあり、彼らのアクセサリーはロンドンのLibertyやシドニーのPoekpeなど世界中で販売されている。TRU$ST FUN!のクライアントには、BMW、V Magazine、The British Fashion Council、そしてTopshopなどがある。また、デザインの仕事と平行して、ビジュアル・アーティストとしても活動しており、オーストラリア国内外で多数のグループ展および展示会を行っている。
GASONLINE SHOP
Jonathan`s T-shirts:
ジョナサンのTシャツはこちら:
http://www.hellogasshop.com/?pid=16131038
TRU$ST FUN! ZINE available from here:
TRU$ST FUN!のジンがこちらから:
http://www.hellogasshop.com/?pid=16650992

INTERVIEW: TARO HORIUCHI (Fashion Designer)

今回、Atmosphereでは初のコレクションを発表したばかりの堀内 太郎さんのインタビューを行いました。インタビューアーは、世界各国のファッションニュースをどこよりもいち早く発信しているLondon Tokyo Styleのチーフ・エディターである滝田 雅樹氏です。
This time, Atmosphere would like to feature the fashion designer Taro Horiuchi who just released his first collection. The interviewer is Masaki Takida who is the editor in chief of London Tokyo Style which is fashion news site releasing the latest fashion news of the world.
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‐今回のコンセプトを教えてください
-Could you explain the concept for this collection?

信仰と自然と時間、3つのキーワードを軸に制作しました。今回のグラフィックは、0から9の数字を手で繰り返し書いているのですが、そのように淡々と繰り返すことの集約が美しさを生む。そしてコレクションとしては、グレーという単調な色のみを使いたいと思い、そこで自分に何が出来るのかというのを試しました。
Faith, nature and time –I worked around these 3 keywords to create this collection. The graphics for this collection are numbers from 0-9, drawn by hand repeatedly, and it is this sort of straightforward repetition that brings beauty. Also, as a collection, I wanted to use Gray only and see what I could do with that.
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‐展示会をやってみてバイヤー、プレスからの反応はどうでしたか
-What were the reactions from buyers and the press after the trade show?

プレスの反応は良かったのですが、バイヤーには値段が高いとは言われました。クオリティとデザインの面に関しては凄く良いけれど、値段の部分は指摘されました。でもそこを曲げる気は無いですし、(値段を)落とす意味も無いのかなと思います。
The response I got from the press was good, but the buyers told me that the prices were too expensive. The quality and the design were excellent they said, but they pointed out about the price. But I don’t plan to change that and I don’t really see any point in lowering the prices either.
‐これからもそこは変える気はないということですね
- So you don’t plan to make any changes about that.

今の所はないです。そこで勝負して何とかしたい、切り開いていけたら良い、そこで勝ちたいですね。
No, not for now. I want to play the game here, to break through in this ballpark, so.
‐今回のコレクションで一番大事にした部分はどこですか
-What was the most important thing for you in this collection?

派手にしないこと。インパクト勝負にはしたくなかったというのがあったので、凄く静かな中で何かできたらと考えました。
Not to make it “loud”. I didn’t want to make a statement with impact, and wanted to make creations in a very quiet place.
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‐物凄く綺麗な物を作っているのはわかるけど派手さが無い分、着て始めてわかる部分が多かったのでモデルがいればもっと良かったのかなと感じました
-Your garments are beautiful but because of the lack of impact I thought there were many details that wouldn’t be noticed unless actually worn. Maybe it would have been better to have models?

服は着てみなくてはわからない、ある意味それで良いのかなと思います。来シーズンもキャットウォークはやりませんが、アイテムのサイドも見せられるような、着た状態で動いた物も見られるような形のビデオは作るつもりですし、インスタレーションではモデルも一人か二人は立たせたいと思います。
Clothes have to be worn in order to really “get” them, and I think that’s fine, in a way. I won’t be doing a cat walk for the next season either, but I plan to make a video so that people can see the items that I make, as well as look at the clothes in motion when worn by a person. Plus I plan to have one or two models at the installation too.
‐次も今回と同じように広いスペースで見せるという形になるのでしょうか
-So your next collection will be shown at a very spacious venue like the one you used for this collection?

ショー形式よりはインスタレーションの方が性にあっていると思います。全体的な物を見せながら空間と服と音と匂いで見せるという。
I think doing installations suits me more than doing shows, -showing my work through space, garments sound and smell to show my work as a whole.
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‐今回の見せ方で工夫した部分はどこですか
-What aspect did you elaborate on for this installation?

ショーでは見せられない見せ方を考えた時に、インスタレーション形式で空間で見せる。ビデオがあったり、音があったり、ユーカリの葉を踏んだ時の感覚など、空間を使ったシステムを作って何か出来ないか、全体で服のイメージを伝えたいと思いました。服自体がシンプルなので、そこにエクストラな要素や価値を生み出すということに重点を置いたときに、自分はそういった見せ方が良いのかなと感じるので。この服でショーをやるのは難しいと思いますし。理想的には、ショーもやりつつインスタレーションもやるという形が出来れば良いのですが。
To show things that you cannot in a show, through the installation space. To come up with things you can do using the system inside a space. For example, with video, sound and the sensation of stepping on Eucalyptus leaves. The garments themselves are very simple so to put weight on adding extra elements and creating extra value was I think the best way to show my work, and it would be difficult to do a show with these clothes too. Ideally, it would be best to do a show and an installation.
‐今のマーケットにおいての自分の立ち位置はどう考えていますか
-Where do you think you stand in today’s market?

今までのドメスティックからしたら若手としても、ある程度売れているブランドと比べても高いかもしれませんが、そういったブランドとクチュールとの中間なのかなと思います。その中でどういった方法を取っていくのかは難しいと思いますが。やはり見られる場所を作るというのが一番早いのかなと思いますが、そこでお店を作るのは大変ですし、ショールームのようなものが作れたらなと思うのですが。
Looking at my clothes from a domestic brand’s point of view, think my stuff is expensive for a young designer, even compared to brands that are selling well, but I think I am in between that and courtiers. It’s hard to come up with how to do things in that position, but to I think the most productive thing to do would be to show my clothes to the public. It is very hard to have your own store, but I hope to make something like a showroom.
‐シーズン毎というわけではなくですか
-You mean, not for each season?

一応シーズン毎に目安やコンセプトはあってもいいと思うのですが、販売に関しての方法は卸だけじゃないのかなとも思います。例えば、お客様が予約制でアトリエにいらっしゃって、欲しい物をオーダーして2ヶ月後に納品でもいいと思います。ある程度クオリティの高い物は、急いで欲しい物でも無かったりすると思うので、そういうところに対応出来たらなと思います。今のファッションは一発勝負というか、お店の戦略なども含め、冷静にならないうちに買わせるような、ある意味不意打ちみたいな部分があると思います。そうではないところで戦いたいと思っています。「待ってでも欲しい」と思っていただける物を作りたいですし。
It’s okay to have concept or ideas for each season, but I don’t think wholesale is the only way for selling clothes. For example, I’m thinking that a customer can come into my atelier and order something to be delivered two months later. Things of high quality can’t always be in your hands immediately. I hope to meet the needs in that way too. I think today’s fashion is too much like a one-game-match, where the stores make you buy things without giving you real time to think about it, which is probably the stores strategy. I don’t want to make my challenges in that sort of place. I want to create things that customers want even if they have to wait.
‐今回実際オーダーしてくれた層について教えてください
-Could you talk about the demographic of the customers who actually made orders this time?

2つに分かれていて、ひとつは40~50代の富裕層というか、ある程度、服にお金をかける余裕がある層、もうひとつはコンセプト自体に共感して買いたいと思っているクリエイター層です。
There were two types. One was middle age money class who spend substantial money on clothes, and the other was the creator type who liked my concepts.
‐最初から自分が狙っていた層と合致していますか
-Did they match the tier you were aiming for?

それは、どちらかといえばクリエイター層というか、コンセプトに共感してくれる方に買っていただけたらなとは思っていたのですが、必ずしもそういう層がお金を持っているわけではないので、その2つを大切に良いバランスを取っていけたら一番理想かなと思います。そして、やはり富裕層の方は良い素材を知っていると思いますし、触るだけでその価値がわかる知識をお持ちなので、重要だと思います。
It would be great to have the creator types to like your stuff and buy them but they don’t necessarily have the money, so it’s very idealistic to have the two types and carefully nurture the balance. I also think that many of the wealthy people know about real quality and good garments, and can tell the value just by feeling garments, so I think that is very important too.
‐ただそういった層(40,50代)に対しては少し線が細すぎたのかなとも感じました
-Yet, I felt that the clothes were a bit too slim for that class.

そこは重要な反省点ではあります。でも細い物だけに興味があるわけではないので、その中で次は面白い物が出来たらと思っています。大きくした中でも綺麗なライン、美しいラインを作っていけると思っています。
Yes, that is a very good point. I’m not interested in only making slim designs so I’m thinking of creating beautiful lines in larger garments.
‐今回ラインが細かったのはその細さが自分が一番美しいと感じるラインだったからですか
-Were the lines slim for this collection because that is what you felt is most beautiful?

というよりは、やりたかった世界観に近かったという感じです。でもそれが必ずしも限定されるものではありません。勿論自分のやりたい世界観には幅がありその中からチョイスしたので、そこをずらすことは可能かなと思います。機能という意味では、動きやすさというよりは通気性とかの方を考えてしまっていたので、動きやすさという部分では足りなかったと考えています。
More like that was close to what I wanted to create. Still that is not a limited thing. Obviously, there is a range to my imaginative world and that is something I chose for this time, but I think it’s possible to make a shift from there. In terms of function, I put the weight on ventilations rather than the comfort of the fit, so that is another point to fix.
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‐ファーストコレクションを終えて自分で良い物を作れたと思いますか
-You’ve finished your first collection, but how would you grade yourself?

ファーストコレクションにしては良い物を作れたのかなとは思います。でも満足することなんて絶対に無いと思いますし、今までも無いので、次はもっと良い物をやりたいなと思います。でもやりたいことは沢山あって、それを全部出来たら一番良いと思いますが。
I think I did good, considering that it was my first collection. But I don’t think I will ever be satisfied, and I never have been, so I hope to do better next time. There are so many things I want to do, so if I could do them all, that would be the best.
‐次に対する一番大きな課題はどこだと思いますか
-What do you think is the biggest challenge for your next collection?

やはり僕の弱点は、お店を知らないなどの根本的な部分だと思います。
クリエイションの部分で負けるとは思っていませんし。
I think my biggest weakness is the fact that I don’t know basic things like about stores and boutiques. I don’t think I’m loosing from a creation point of view.
‐今後の方向性を教えてください
-Could you talk about your future direction?

今回、クオリティを落とさなかったのは間違っていなかったと思うのと、
ビジネス的な視点からも色々と可能性はあるなと思ったので、今後は、新人としては新しい戦略の立て方、服の作り方が出来ればと思っています。
I don’t think I made a mistake in not bringing down the quality, and I also felt that there are many more possibilities business-wise. From now on, as a new artist, I want to make new strategies and take on new ways of creating garments.
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‐クオリティの部分とは
-What do you mean when you say “quality”?

素材だったり、縫製だったり、パターンもそうですし、一つ一つの部分をどこまでこだわるかという部分ですね。
The material, sewing quality and patterns, -the details and effort I put in each of the elements
‐それは納得のいくものだったのでしょうか
-Are you satisfied with that aspect this collection?

納得できていないなりに他のものより上という自信はあるので、その部分は更に上げていきたいと思っています。
Not satisfied but I still think it is better than the other stuff, so I want to raise that level more.
‐可能性という部分について教えてください
-Can you talk about the possibilities you mentioned?

販売経路や、方法論として今まで無い物を作っていかないといけないというところで、勿論値段の問題もあるので僕なりの方法論自体を作らないといけないと思いますし、高いなりの戦い方を考えなければいけない。お店という部分では苦戦していますが、個人という部分ではある程度付いていただけたので、そこで得られたヒントの中で方向性を定めていかなければならないと感じています。
I think that I have to come up with a new methodology, which will work with the high prices such as new selling routes. I am struggling with trying to sell my clothes to boutiques, but I am gaining personal cliental on the other hand, so I feel that I need to set my directions based on the hints I have acquired from that.
‐これからのファッションの在り方についてどう考えていますか
-What do you think that future of fashion is?

(ファッションが)どうあるべきかというのはあまり考えていなくて、多様性の時代だと思うので、結局自分が何をやりたいかで決まってくると思います。きっと、買う人も変わってくると思いますし。昔のように、雑誌の表紙に載っている物が売れるかと言ったらそうではない時代になってくると思いますし、むしろそこがダサいと思う人も増えてくると思います。そうなった時、自分の価値で選ぶ時代が来るのだと思います。だからクリエイター自身も本当に自分のやりたいことやって自分なりの見せ方、雑誌で見せるということを重要視するデザイナーもいれば、ネットで配信するデザイナーもいるし、ショーやる人もいるし、みんな方法論が違ってくるのではないでしょうか。
I don’t much think about how fashion “should” be. I feel that we are living in a time of diversity, so I think it all depends on what you want to do. Consumers will probably change too. I think that clothes on the cover of magazines will not sell like it used to, but rather more people will feel that that’s cheesy. When that time comes, that’s when people will choose what to wear based on their own values. That’s why creators will do what they want to, show it in a way they want to present it –through magazine or through the internet or maybe through doing a show-I think everyone will be different.
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‐次回からメンズもスタートするそうですがメンズをやろうと思ったのはなぜですか
-You are starting a new Men’s line from next season. Why is that?

単純に要望があるのと、やってみたいと思うからなのですが、着たい服が無い、欲しい服がない、自分自身が着たいエリアの服が無いのも理由のひとつです。何か、自分が提供出来る物があるのではないかと思います。
Simply because there was demand for it, but another reason is because there are no clothes that I want to wear, that I want to buy for myself. I think there’s something I can provide in that way.
‐レディースは自分にとってリアルではないものですがメンズはリアルなものになるのですか
-Ladies garments are not real for you but will Men’s clothes be real to you?

ディテール的には自分が好きなものになっていくと思いますが、サイズ感は自分に合わせたら他の人に合わないので、そこは考えているところです。
Detail-wise, it will probably be what I like, but size-wise it would have to fit other people so I have to think about that.
‐どのような男性像になるのですか
-What sort of a male figure would it be?

レディースと同じですね。理知的な人。今回もこのアイテムでメンズないのかという方もいらしたので、そう言っていただけるならやりたいと思いますし、メンズ自体好きなので。今回、バイヤーの方がおっしゃっていたのは「メンズライクなディテールや、思想だからメンズの方が受け入れられるんじゃない?」と。男性はコートなどでも、もっと値段を出してもいいから、一過性の物ではなくて、長く着られる物を買いたがったりするじゃないですか。そういう意味で、価値として合致するのかなと思います。レディースも、サイズによってメンズが着られるようにするものもありますし、全体的に共通したアイテムが着られるようにはなるのかなと思っています。ユニセックスというわけではないですが、自分もレディースの服買ったりしますし、女性でも大きいサイズが好きな方もいると思うので。
Same as the ladies line, -intellectual. There were people who asked me if there weren’t any Men’s version in this collection, and that makes me want to do it since I actually like doing Men’s. Buyers also told me that “since there are Men’s-like detail and concept, it may be more popular to Men.” Men tend to pay a higher prices for items like coats that is not trendy but can be worn for a long time, don’t you think? So in that way, I think my prices will meet the needs. I plan to have garments in the Ladies collection that can be worn by Men in a larger size, and there will be items that can be worn by both men and woman throughout the collection. It will not be “unisexual” per-say, but I sometimes buy Ladies clothes and some woman like larger sizes too, so.
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‐アクセサリーはどちらかといえばユニセックスですよね
-Your accessories to seem more like unisexual.

そうですね。ジュエリーは今後増やせればと思っています。
ジュエリーには可能性があるというか、ファッションデザイナーがジュエリーをやることがあまりないと思うので、面白いと思います。
Yes. I plan to put out more jewelry in the future.
There are lots of possibilities in jewelry, and I don’t think many fashion designers do jewelry, so it is sort of fun for me.
‐メンズライクなジュエリーは作らないのですか
-Are you going to make Men’s like jewelry?

ジュエリーも自分自身付けたいと思う物が無いのでシンプルで欲しいと思える物を考えています。
There isn’t any jewelry that I want to wear either, so I’m thinking of simple jewelry that I want to wear myeself.
Translation: Amy
Photo by London Tokyo Style
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London Tokyo Style : URL http://blog.londontokyostyle.com/
Taro horiuchi: URL http://www.tarohoriuchi.com/
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REPORT: “TOTEM” EXHIBITION BY DAMIEN POULAIN

Atmosphereでは、フランス出身ロンドン在住のアートディレクターDAMIEN POULAINのTotemシリーズのCLASKA HOTELで行われた展示模様を報告いたします。
Atmosphere would like to feature the “Totem”exhibition of the LONDON based French artist Damien Poulain which was held at CLASKA HOTEL.
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展示風景:
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呪術的なシンボルとして使われているTotemをDAMIENがコンテンポラリーなテーマを元に再解釈し、現代的なイコンをかたどっています。彼がピックアップするイコンは、ガソリンスタンドのshellのマークであったり、ピカチューであったりと、一つ一つが別の国の現代の象徴的なイコンです。その一つ一つを、思わず覗き込んでしまいます。
TOTEM is a symbol of the Mystical matter however what Poulain did was to translate and reconstructed the symbol of it into the conteporary icon. The Icon he picked up was shell (Gas shop), pokemon character “Pikachu” and so on… Each icon has different meaning on to it and it makes us look into it carefully.
DAMIENは多くのグラフィックワークも手掛けており、その中でも日本で知られているのがUNIQLO PAPERで都市をテーマにした紙を切り抜いて作成したグラフィックです。彼は、この手法で独自のグラフィックの見せ方を編み出しています。
Damien Has been working on numerous graphic project. And out of all the great works, his work done for the UNIQLO paper is known among Japanese audience. He cut out the parts of graphic which was made under the theme of the “CITY”. This technique, original and stunning, appears on his other works.
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For more information:
http://www.damienpoulain.com/
http://www.damienpoulain.com/media/Totem-49.html

REPORT:SHOHEI TAKASAKI 初展覧会”splithead”

en one tokyo主催で行われたSHOHEI TAKASAKIの初展覧会”splithead”のレポートをお見せします。
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SHOHEI TAKASAKI INTERVIEW “AFTER THE SHOW”
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*今回の展示を一番見せたかったのは誰ですか?
who did you wanted to show your new work the most?
こんにちわ。
特定の誰というのは無いです。一人でも多くの人に見てほしいといつも思ってます。ポップなフィールドで僕のような作家がどこまで勝負できるのかを挑戦したいと思っています。
あえて言うなら、自分かも。いま自分がどこまで出来るのかを現実的に見たかったし。
hello!
Actually, I do not want to decide who I want to show my work the most. I always wanted to show my work to many people as possible. I am challenging myself to how much I can get in to the field of POP. If I had to put it to the word, I just wanted to see how much I can make evrything happened in real.
*今回の、展示でSHOHEI TAKASAKIとしてアーティスト活動にどのような変化を
与えましたか?
What kind of effect was there for you as SHOHEI TAKASAKI through this exhibition?
う~~~~ん。
基本的な姿勢は変わらないけど、今回の展示でもほんと色んな人達と出会って、僕の作品に対して真剣に向き合ってくれて、意見なんかを言ってくれる人達と話すのはエキサイティングでしたよやっぱり。なるほど、と思う事もあったし。
いままで通り感情を爆発させていきたいです。
Well…. I don`t think my fundamental attitude changed through this exhivition but it was exciting to know that there are so many people who gave me oppinion and thought about my work seriously. There was oppinion that I could strongly agreed with. I would like to continue exploding my emotion through my work.
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*展示をやってみて、今後こんなことにチャレンジしたいなど、新しい目標ができましたか?
Is there any new aim or challenge that you would like to do in the future?
まだまだ、始まったばかり。
平面でも立体でも、突き進めるのりしろは相当残っています。
描き続けようと思っています。楽しみです。
It has just began.
there are still some room for me to try sculptural work or 3D work.
I am thinking of continue to painting.
And I am enjoyning the most.
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*最後に世界に一言!
What would be your message to the world!
本当にいろいろな国で発表をしていきたい。
いままで僕が訪れた国々でも、たくさんの面白い経験をしてきた。
突き進みたいですね。僕は。
I would like to exhibit my work in different countries.
I had many intersting experience in the countries I have ever visited.
I just want to go forward, I think.

REPORT: Anthony Burill`s latest show in LONDON

Atmosphere is pleased to introduce the Lancashire born artist Anothony Burrill who graduated Royal College of Art, MA(RCA), graphic design course in 1991.
今回のアトモスでは、イギリスのランカシャーで生まれで、1991年にロンドンのロイヤルカレッジオブアートのグラフィックデザインコースを卒業した、アーティスト『アンソニーブリル』を紹介いたします。
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Anthony Burrill is an independent designer and illustrator who works in a broad range of activities, including print, film and exhibitions. After studying Graphic Design at Leeds Polytechnic he completed an MA in Graphic Design at the Royal College of Art, London. Where he created his now trademark technique for direct communication.
アンソニーブリルは、インディペンデントのデザイナー / イラストレーターで、プリント、映画、エキシビジョンなど、幅広い分野の仕事を手掛けています。イギリスのリーズでグラフィックデザインを勉強した後、ロンドンのロイヤルカレッジオブアートの大学院のコースでグラフィックデザイン専攻し、卒業しました。在学をきっかけに、彼が現在手掛ける仕事の中でしばしばみられる、ダイレクトコミュニケーションのツールであるトレードマークの技術を得ました。
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Anthony’s uncomplicated style stems from his appreciation for simplicity, which was formed in his early handcrafted photocopy books. He has designed advertising campaigns for London Underground, DIESEL, Nike, Bupa amongst others, including the cult Hans Brinker Budget Hotel campaign. He has also produced web-based projects for bands such as Kraftwerk and Air, murals for Bloomberg, Priestman Goode and recently designed the identity for Kessel Kramer’s inaugural London base – KK OUTLET.
アンソニーの複雑でない作品の手法は、彼のシンプルなものに対しての敬意の表れです。この手法は、彼が作家活動を初めてまもなくの頃に画像をコピーでプリントし、手で本を作っていた頃に編みだしています。アンソニーが今まで手掛けてきたクライアントには、ロンドンの地下鉄、DIESEL、 Nike、 Bupa などや、Hans Brinker Budget Hotel などがいます。その他にウェブを中心としたプロジェクトのプロデュースも行っています。例えば、Kraftwerk 、Airなどのミュージシャン。壁画のプロジェクトでは、Bloomberg、Priestman Goodeなどがいます。また、最近コーポレートアイデンティティーを Kessel Krameの London にしかないアウトレットの為に作成しました。その名も『KK OUTLET』。ロンドンにお寄りの際は、是非チェックして下さい。
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Anthony’s recent exhibitions include ‘The Right Kind of Wrong’ at The Biscuit Building, London in collaboration with Michael Marriott, ‘Geometry in Nature’ at Colette, Paris,‘I Like It Here’ Chiat Day, Los Angeles and ‘In a New Place’ at Kemistry Gallery, London.
アンソニーの最近のエキシビションは、ロンドンのビスケットビルでMichael Marriottとのコラボレーションで行われた”The Right Kind of Wrong”や、パリのコレットで行った“Geometry in Nature”、ロスアンジェルスのChiat Dayで行った‘I Like It Here’展、 ロンドンのKemistry Galleryで行った‘In a New Place’などがあります。
今後、ますます目が離せません。