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2009年12月 アーカイブ

2009年12月03日

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INTERVIEW: of HONG KONG Designer REX KOO

This time, Atmosphere did an interview of up-coming and fresh artist called Rex Koo who is from Hong Kong. Please enjoy!!
今回、Atomosphereでは香港をベースに活躍するアーティストであるレックス・クーさんのインタビューを行いました。お楽しみください!

1.Please introduce about your self
ご自身のことについて教えてください。

I am Rex Koo, a Hong Kong base art director and illustrator. I've work on a range of projects including graphics, motion graphics, t-shirt print, art direction and illustration.
レックス・クーといいます。香港を拠点としたアート・ディレクター/イラストレーターです。グラフィック、モーション・グラフィック、T-シャツ、アートディレクション、イラストレーションといった様々なプロジェクトでの仕事をしています。

I am always passionate towards the design of Chinese and English typography, after a long while of graphic design works, I've lost in the world of vector and became tired of the emotionless computer operation, I then began to create artwork by hand hoping to recap the human touch in my work.
ぼくは中国語と英語のタイポグラフィーが昔から大好きでした。でもグラフィックデザインをずっとやっているとベクターの世界に没頭しすぎて、エモーションの無いコンピューター操作に嫌気がさしてしまいました。それで、人間味を取り戻すべく、アートワークを自分の手で作るようになりました。


2. You`ve mentioned in your web site that you were keen to develop the typography in both English and Chinese.Could you show us some of the typography that you`ve developed?
And, could you talk about it a bit?
ご自身のウェブサイトで、中国語と英語のタイポグラフィーを開発することに熱中されているとありますが、これまでに開発されたタイポグラフィーをいくつか紹介していただけますか?

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Get It Louder 2007 - The project is to design a visual identity for Get it Louder 2007 - an exhibition conceived as a platform for showcasing creativity and personal thoughts of young talented designers and artist around the globe.
Get It Louder 2007-このプロジェクトは、世界中の若くて才能あるアーティストやデザイナーの創造性や発想力をショーケースするためのプラットフォームで、Get It Louder 2007のビジュアルIDをデザインするというプロジェクトでした。

According to this principle, I designed a series of talking bubble to formed a variety of logos instead of creating a fixed single logo for the function. The audience were aimed to recognized "Get it Louder" from the variety images of talking bubbles instead of the wording itself.
プリンシパルに従い、ひとつの確定されたロゴではなく、会話をしているバブルが色々なロゴになっているものをデザインしました。これを見る人が、その文字自体ではなく、Get It Louder” ということばを、会話をしている物体たちから認識するように作りました。

Eason Chan CD album - A CD album designed for Eason Chan - a well known pop singer of Hong Kong.
Eason Chan CDアルバム-中国では有名なポップシンガーのCDアルバムのデザイン制作。

I found that there's lack of hand drawing visual for local record sleeves design. I decided to go for an illustration for the main visual including the typeface.
国内のアルバムデザインは手書きのビジュアルを使っているものが少ないので、メインビジュアルにイラストとタイポグラフィーを使う事にしました。

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Night Corridor - Poster for a local independent horror movie. I design the film title with collage in order to create a horror and unusual atmosphere.
妖夜廻廊 (Night Corridor)– 国内のインデペンデントホラー映画用のポスター。ホラーっぽくて異様な雰囲気を作り出すためにタイトルをコラージュで作りました。

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3.I am very fond of your drawings. Could you show us some images and could you let us know the concept behind it + credit of the work?
Rexさんの絵が大好きです。作品とその作品のコンセプトをいくつか紹介していただけますか?


Homeless Dictator - It's a project held by Helsinki Biennale (Finland). Artists from worldwide were invited to create their own drawing and print on a tent at final artwork. I've create my own homeless dictator with the concept of "self centered" and "greed".
Homeless Dictator- フィンランドのヘルシンキ・ビナーレ主催のプロジェクト。世界各国のアーティストが招待され、それぞれがドローイングとプリントをテントに描きました。ぼくは、「自己中心的」と「欲」のコンセプトでオリジナルのホームレス・ディクテーターを創りました。

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Eason Chan Best Moment - Another record sleeves I design for Eason Chan. These are some illustration for the inside sleeves which inspired by some of the classic styling of the singer in the pass 10 years.
Eason Chan Best Moment – これもまた歌手のEason Chanのアルバムカバーです。これはスリーブの中のイラストで、彼の過去10年のクラシックなスタイリングにインスパイアされたものです。

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Shena Ringo Tsumi to Batsu - A personal drawing about Shena Ringo - my favorite singer for all time.
椎名林檎 罪と罰 –椎名林檎に関する個人的なドローイング。ボクが一番好きなシンガーです。

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A Time to Kill - An artwork for a limited edition print show UNTITLED ENEMIES.
A Time to Kill – UNLIMITED ENEMIESという番組のリミテッドエディション用につくったアートワーク。

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4.In your work, it seems like there are political element in it.
Are you interested in putting a statement within your art practice?
Rexさんの作品はどこか政治的な要素が含まれているような気がするのですが、そういったメッセージをアートに織り込むことに興味があるのでしょうか?

Haha is it? There's not a very clear motivation to put any political element in my works.
But I've to admit it always make me feel good to work on a project under a clear theme or concept.
そうですか(笑)?政治的な要素を作品に入れるモチベーションはこれといってないのですが。でも、はっきりとしたテーマやコンセプトがあるプロジェクトの仕事をすることは気持ちいいことが確かです。



5.What is your general interests? and please let us know your interests in your art practice.
一般的に興味があることはなんですか?またアートの実践での興味はなんでしょうか?

Problem solving (although I always think I'm not good at it). I think thats the nature of Design, and I'm still learning with it.
問題解決(あまり得意とは言えないけれど)。それがデザインの性質だと思うし、まだまだ勉強中ですが。

Studio of Rex Koo!!!
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URL: http://www.rex-air.net/

(Interviewere: Risa Nakazawa, Translation: Amy Sugai)

2009年12月10日

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Interview: of photographer Peter Sutherland 

Atmosphere would like to put up the interview of Peter Sutherland.

Atmospehreでは、フォトグラファーであるピーター・サザーランド氏の魅力に迫りたいと思います。

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Title: Hedring the flock
Peter Sutherland

Question:
1: In the exhibition SHOOT which you are participating, Ken Miller stated that “Everything started from the question of “What is art photography?””. So, our question is “What is Art Photography for you and how do you think about it?”

あなたが参加している展覧会、SHOOTにおいて、『アートフォトグラフィーとはなんであるか?という問いから始まった。』とケン・ミラー氏が言っていますが、あなたはアートフォトグラフィーとはどんなものであると考えますか?

----Photography has so many applications, advertising, personal family snap shots, documentary, etc. So its a way to catagorize the more expressive or creative photography.
写真には、多くの側面があり、例えば広告であったり、パーソナルな家族写真であったり、ドキュメンタリーであったりなど色々な方法で表現されています。アートフォトグラフィーとは、表現や創造性が強い写真を区分けする時に使われる言葉だと思います。

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TITLE: My couch / Sad Groceries
Peter Sutherland


2: If there were exquisite art photography, what would that be?
あなたの考える優れたアートフォトグラフィーとは一体どんなものなのでしょう?

----I like work that is personal and tells me something about the artist that made it. I also like work that offers special access to something, an expample is the book by Danny Lyon, "The Bike Riders". As for style i like a utilitarian style and not too set up or staged. I like images that might make you question your spiriituality.
僕は、その写真がそれを作ったアーティストのことを語っている個人的な作品が好きです。例えばダニー・リオンの“The Bike Riders”などです。スタイルに関しては、そんなに、作りこまれていない功利主義的で、人に対して疑問を持たせたり、興味をそそるようなイメージが好きです。

3: As a photographer presenting works in exhibition, how do you want people to see your work?
作品を発表するフォトグラファーとして、それ(作品)を見る人に求めるものはあるのでしょうか?

---Making art can be a selfish activity at times so i like that the work can be all seen together. This makes it feel more like a conversation with artists, or a grouping which i think makes it easier for viewers to understand what is going on. Right now im into showing work in various sizes, unframed with only a plexiglas cover.
アート作品を作るということは、利己主義な活動になりえる時があります。僕は、作品がまとまって一緒に見える方が好きなんです。こうすることによって、アーティスト同士の会話のように見えたり、グループ分けされているように見えたりします。そうすることによって、見てる人に何が起きているのかわかりやすい事があると思います。今、僕は写真の作品を色々なサイズで、プレキシグラスに挟むだけで見せるという方法にはまっています。

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TITLE: Sharp Can / tea054
Peter Sutherland

4: If we were to say the way people see art work is all different then the story ends there. But, if we would know or follow the intention of your work, we would like to hear more about the story behind it. Could you talk about what`s behind your work with your word?
作品の見方は人それぞれだと言ってしまえばそれまででしょう。しかし、あなたの作品をよりあなたの表現している意図に沿って見るとすれば、少しの説明が必要となる場合があると思います。あなたの作品の根底にあるものを言葉で補って頂けますか?

I hope my work is sort of like folk music, maybe it is a personal account of what is going on and maybe a sign of the times in some way. I hope it tells my stories in a artful way, I hope im sharing things that will entertain people, and make them feel something.
僕は、自分の写真がフォーク音楽みたいな感じにとらえてもらえるといいなと願っています。もしかしたら、それは自分自身の中で起きている何かのサインなのかもしれません。うまく説明できているといいなと思うのですが、僕は、できれば人を喜ばせたり、分かち合えたり、何かを感じてもらえたり出来たら良いなと思っています。

5: Are you intending to put meaning or necessity in putting some kind of meaning into the photography?
あなたは何かを写真の中に収めるということに、意味や必要性を持たせていますか?

I started off trying to make projects that were about documenting. And slowly I became more interested in capturing images that were symbolic or gave me a real feeing, more like a drawing or a painting. I dont need there to be a meaning, but a feeling is nice.
僕は、最初は記録すること(ドキュメンティング)でプロジェクトを作成していこうと
考えていました。でも、少しずつシンボル的でドローイングやペインティングのように自分に対してリアルなフィーリングを与えてくれるものに興味をひかれるようになりました。

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TITLE: Horse Towel
Peter Sutherland

6: I have read some text about photography before and it says “Photography is capturing the moment. And moving image is capturing the stream of time. However there is a moment that the photography is representing the stream of time and moving image is representing the moment which is reverse principle.”I have came across to many art works which fit into this idea. I do know that you ate making films as well as photography. Have you ever come across to this kind of paradoxical aspect in your photography? Or Have you ever be conscious about these aspects?
『写真とは一瞬を捉えたものであり、映像とは幾らかの時間の流れを捉えたものである。しかし、実は一瞬を捉えたはずの写真 が時間の流れを表し、時間の流れを捉えたはずの映像が一瞬を表していることがある。』というような言葉を本で読んだことがあります。私は確かにそうかもしれないと思える作品を実際に多く目にしました。映像作品も写真作品も手掛けるあなたは、こういった逆説的な側面が写真の中に存在すると思いますか?またそれを意識したことはありますか?

I dont completely understand the selected text, but yes, i like working with both motion and still. I like the limitiations and ease of making a photograph and i like the control and excitement of shooting a moving picture. I think there are some things that can only be expressed as a still or as motion.
この選ばれているテキストに関してはよくわからないけれど、でもそうですねね、僕は映像とスチルの両方の作品を手掛けるのが好きです。僕は、写真のもつ限定と簡単さが好きだし、映像がもつコントロールと楽しみが好きです。映像にしても写真にしても、どちらかにしかないものがあると思います。

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7: We can surely say that Camera is devise to capture the moment. Please talk to us about the “moment” of your time and the concept of the value of it.
カメラは確かに瞬間を捉えるものであると言えますが、あなたが過ごす時間の中での「一瞬」に対する価値観を聞かせて頂けますか?

I dont know much about this concept, I know that it is a famous bit of theory about photography i think there are many monents most of the time. Often i like to work with repeating images or juxtaposed images, so i dont know if it applies to what Im doing.
このコンセプトに関してはあまり詳しくはありません。これが、有名な写真に関するセオリーだってことは知っています。僕が考えるに、沢山の一瞬があると思います。しばしば、僕は繰り返されるイメージや並列に並べたイメージが好きです。このことが、自分の作っている作品と関係があるのかはわかりません。

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TITLE: ice tree
Peter Sutherland

8: I would like to talk about the “Paroadoxical atmosphere” which I felt in the work presented in gallery target. There was a random bed, window and curtain hanged in the ceiling, tape and other stuff was by the window. However, there were no heroin in there. Within that work, people probably felt the presentation of someone who is not there. There were nobody but people could felt as if someone was there. Please tell us what was your thought behind it.
逆説的な雰囲気と言えば、gallery targetでも展示されていたあなたの作品でもそれを感じました。(乱れたベッドがあり、窓があり、カーテンが吊るされ、窓枠の上にテープや何かが置いてあり、登場人物は誰もいないという作品です)
あの作品には誰かがいる要素が多くありつつも誰も写っていない。逆に言えば、確かに誰もいないけれど、確実に誰かがいることを感じることが出来ます。あの作品はどういったものが込められているのか、聞かせて下さい。

To be honest, i try not to think about shooting too much, if something catches my eye i like to relax and take a shot and then deal with it later. So my process has become much more about editiing. I like that you thought of Herion, that is one thing that excities me about photogarphy, its all in the mind of the viewer after i put the image out. I think i liked that image because there is no sheet on the bed and there is a sheet being used as a curtain.
正直言って僕は、あまり撮影することに関しては考えないようにしています。何かを見つけた時に考えすぎずリラックスした状態で撮影にのぞみ、それが何であるかは後で考えるようにしています。そういう意味では、僕にとっての作品のプロセスは、編集することに集約しているのかもしれません。

あなたが“Herion”の作品の事を考えてくれた事が嬉しいです。自分が作品を作った後、見る人がそれをどう見るかというのが写真の面白みだと考えているからです。この作品に関しては、ベッドの上には、シーツがなくて、シーツはカーテンとして使われているという点が気に入っています。

9: Photography could be playing role as record as well as expression of the creativity. There are documentary photography and the photography which has element of representing the artists expression in the form of recording the moment. If we think this way, there are ambiguous line between photography as a documentation and expression of the creativity. I think your photography seems to have a strong element of documentation but how do you make the line between your creative expression and documental element?

写真とは表現でもあり、記録でもあると言えるでしょう。また記録的な表現写真もあれば、表現性のある記録的な写真もあると思います。でもそうすると写真の中での記録と表現の境界線が曖昧なものになりますね。あなたはドキュメンタリー性の強い写真を多く撮られていますが、記録と表現の明確な境界をどこかに持ちますか?


I think that line is different for different projects. I shot a series of deer images in a documentary style, but deer will probably look the same in 100 years so maybe it is hardly relevant as a document of something. I made a series about NYC bike couriers, that might be more relevant as documentation of a quickly changing subculture. I think the subject matter partially dictates this. Recently i have become less interested in the idea of documenting and more interested in working with images to express my own feelings, ideas, etc. I also hope i am creating autobiographical images, maybe the fall between documentation and creative.

記録と表現の境界線は、プロジェクトによって異なると思います。僕は、鹿のシリーズ写真をドキュメンタリーの様な様式で撮りました。でも、鹿はおそらく100年同じ姿で存在していて、それがドキュメンタリーであるということとそんなに関係はないのではと思います。他にも、NYのクーリエの自転車配達人のシリーズを作った事があります。これに関しては、急速に変化するサブカルチャーというドキュメンタリーになるのかもしれません。何を主題にするかによって、この境界線というのは影響すると思います。最近、僕はドキュメンタリー的な考えで作品を撮ることにそこまで興味が湧かなくなってきていて、どちらかというと自分の感情を元に作品を表現する事に興味が移ってきています。それに、僕はより自叙伝的な作品を作れていると願っています。おそらく、ドキュメンテーションとクリエイティブな間位の位置に落ち着きたいのかもしれないですね。

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TITLE: dog view
Peter Sutherland

10: Recently, the function of Camera is getting better and better. As the function gets better, the world captured by camera seems to be changing as well. Do you see that? or you don`t think it is changing? Please let us know what you feel through the finder of the camera!

カメラは年々優れた機能がつき、性能を増し、進化していますね。それに比べ、カメラに映される世界は何か変わってきていると感じますか?あるいは何も変わらないのでしょうか?ファインダーを通して世界を見渡すあなたが感じることを聞かせて下さい。

There are more cameras, more photos, i think the act of photographing something has become less unique because so many people are shooting and sharing images. Many great projects from the past are celebrated because they may be the only documentation of that particular thing. (think Danny Lyon, The Bikeriders) For me i guess the change is its become less about shooting and more about ediing and creating a series of images. I think change is good and interesting work will still rise to the top.

世界には、前よりも多くのカメラとそれだけの写真があります。前に比べて写真を撮るという事はユニークではなくなってきているのかもしれません。それも、色々な人が写真を撮り、それをシェアしているからです。多くの素晴らしいプロジェクトは、昔のもので、なぜならそれはある特定のものを撮って、残っている唯一のドキュメンテーションだからです。(Danny LyonやThe Bikeridersを考えてみてください。)僕にとっては、撮影することに関しての変化よりも、編集したり、シリーズの写真を撮ることだと考えています。変化することはいいことだと思う。そして、面白い写真っていうのはやはり最後まで残るし浮上してくると思うんだ。


Thank you very much Peter!
Peter ありがと!

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thanks P
こちらこそ! 

Interviewer: Yuma Okubo
Translation: Risa Nakazawa

2009年12月14日

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Interview: Originalsytle 

For this issues Atmosphere, we will bring to you the interview of skater-artist, originalstyle who just finished showing his exhibition in Kojimachi.

今回のアトモスフィアでは、麹町画廊での個展を終えたばかりの、スケーターでありアーティストであるoriginalstyleさんのインタビューをお届けします。

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まずは、本人についてご紹介いたします!
First thing first, let us introduce everyone about him!

About Original Style:

● Profile 

originalstyle Koji Yamaguchi.
Born in Kawasaki, Kanagawa in 1982.
Receiving great influence from his Grandfather who was an oil painter, originalstyle tirelessly exhibits his works with crafty details. He has provided graphics and deck designs for skateboard brands, METROPIA and TERRAFIRMA, and currently takes on the role of creating the main graphics for the apparel brand PUSH CONNECTION started by pro-skaters Shin Okada and Satoshi Taguchi. Today he works on skate spots all over Japan to get up-close to the allure of the Japanese skate scene.

●オリジナルスタイルについて:

originalstyle(オリジナルスタイル) 山口幸士
1982年 神奈川県川崎市生まれ。
洋画家であった祖父と、スケートボードや絵本からの影響は大きく、クラフト感にこだわった作品を精力的に発表している。これまでにスケートボードブランド『TERRAFIRMA』のデッキデザインや『METROPIA』へのグラフィック提供。またプロスケーターの岡田晋氏と田口悟氏が2009年より始めたアパレルブランド『PUSH CONNECTION』で手描きのクラフト感を生かしたメイングラフィックを手がけている。現在、日本のスケートシーンの魅力に迫るべく、スケートスポットを描く日々が続いている。

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*First of all, we heard that your landscape series of skate spots is intended to show people the fun and the appeal of skateboarding, and is this true?
*まず、最近のスケートスポットの風景シリーズについてですが、スケートの魅力をたくさんの人に伝えたいのだと伺いましたが?

O: It’s not quite that I want to spread skating or show people the appeal of it. Skating myself, I feel the creativity of it or just how dope/tight/sweet it is. It’s completely up to the skater what kind of style you ride or how you make the tricks, and through that I feel that “there’s no right way of living your life”. That’s the kind of things I want to communicate through skating.
O:スケボーを広めたいとか、魅力を伝えたいっていうのとは少し違います。僕はスケボーに乗っていて純粋なかっこよさだったり創造性みたいなものを感じるんです。スケボーって走り方やどうトリックをメイクするかは自由で、そこから更に「決まった生き方なんて無い」みたいなことも感じるんですけど、そういうものをスケボーを通して伝えられたらと思っています。

*Why do you create your artworks with these messages?
*そういったメッセージを込めながら作品を作る理由というのは?

O: Because I want to live my life doing the things that I choose to do and love, and I hope for other to live that way too. I want to realize through experience that there are many paths I could take to live as an artist, and what it is like to live doing what you love to do and I want to express that in my work too.
O:やっぱり自分の選んだ好きな道を歩むってことをしたいし、他の人もそうであって欲しいって思うからですね。自分がアーティストとしての人生を歩んで生きるにはいろんな道があるとか、好きなことをやって生きていくみたいなことを体現したいし、自分が描く作品の中でもそれを表したいと思いますね。

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*I want to ask you about the methods you use for your works. For the first half of the “japonizm” series, you used soldering iron and drew on wood panel but you did not use that method for this time’s skate spot series. Why is that?
*制作の手法に関してですが、前作の『japonizm』シリーズでは半田小手を使ってウッドパネルに描いていましたよね。今回のスケートスポットのシリーズでその手法を用いなかったのは何故でしょう?

O: First of all, what I draw are sceneries drawn through my memory of skaters. That is the same for the prior series and this one, and drawing on a wood panel with a soldering iron was very similar in feeling with drawing through my memory. I first started using soldiering iron thinking that it would be fun. So for this series, I tried changing from drawing on wood panel to paper, and died the paper in coffee first to make it sepia colored, and that too made it similar to my memory image, and it just felt more like it so I stuck with using this method.
O:まず僕が描いているのはスケーターの記憶的な風景なんです。それは前作シリーズでも今回のシリーズでも共通していて、ウッドパネルに半田小手で描く線はその記憶的な質感に近かったんです。はじめは単純に半田小手で描くのは面白いと思って始めたんですけどね。それで、今回はウッドパネルから紙に描くことにしてみて、紙も一度コーヒーに浸けてセピアっぽくしてから描いているんですけど、それもまた記憶みたいなイメージに近い質感があって、やってみたらこっちのやり方もしっくりきたっていう感じですね。

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*You said that the sceneries you see on the streets look related to skating, but do you think that that is a view point of a skater or an artist?
*街で見る全ての風景がスケートに絡んだ風景に見えるそうですが、それはスケーターとしての視点からですか?それとも絵描きとしての視点からでしょうか?

O: Skater all the way. I don’t think like “oh, I wanted to draw that place”. I see staircases or curbs and naturally think, “I could do this tricks or that”.
O:もろスケーター視点ですね。最初は、『あぁ、あそこ描きたいなぁ』っていう風にはならないですね。階段や縁石なんかを見て、やっぱり『あそこあんな風に攻めたいな』とかそんな感じで風景を見ますね、自然と。

*Do you see all sceneries like that? I mean, not talking about oceans or mountains, but.
*それは全ての風景がそんな風に見えるのでしょうか?もちろん海とか山とかそういったのは抜きにして。

O: Yeah, everything. Like (pointing at a set of stairs near by) when I first saw those stairs, I thought that it would be fun to compete with tricks when skating from the alley in the back and then jumping those stairs and do a “one-make contest”.
O:そうですね。全部ですね。例えば(近くの階段を指差しながら)あの階段を初め見た時も、奥の路地から滑ってきて階段を飛ぶ時のメイクで競うっていう
ワンメイクコンテストしたら面白いなって思いましたね。

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*It’s really like you are always with your board.
*本当にいつでもスケボーと一緒という感じですね。

O: True. Skaters are always skaters even when you’re not actually riding.
O:そうですね。スケーターっていうのは実際スケボーの板に乗っていない時でもやっぱりスケーターなんですよ。


*I see. So what is it that you feel through skate boarding?
*なるほど。ではそんなスケートボードからあなたはどんな事を感じるのでしょう?

O: It’s like there’s something special and different you feel when you are riding. The speed is different from what you experience in your normal life, and that makes the scenery you see totally different. It’s this vague feeling that you’re feeling something different from people. And then there’s also a thing of “how to interpret things”. Skate spots often have dual dimensions, where it might just be a set of stairs in an office district during the day time, but at night the same spot is where skaters gather, and that to me is interesting, -like changing points of views can make something negative into something positive, which I think is important. I’m still in search of a lot of things though.
O:何て言うか、スケボーに乗ってる時ってやっぱり独特で特別な感じがあるんですよ。スピード感にしても、普段とは全然違うし、それによってまた景色の見え方も全く変わってくるから。何か周りの人と違うっていう漠然としたものなんですけど、そういうものを感じますね。あとは『物事をどう受け取るか』みたいなこともあって、スケートスポットって昼はオフィス街の中のただの階段だったりするんですが、夜になればスケーターが集まる場所だったりして、そこにある二面性みたいなものは面白いなと。視点や受け取り方を変えればマイナスもプラスになるかもしれないみたいなことは重要だと感じてます。でもまだいろんな事を模索している途中ですが。

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*Is that something you want to convey through your work as well?
*それはあなたが作品で誰かに伝えたいことでもあるのでしょうか?

O: I don’t know, maybe close to. This is a message to myself, but freeing yourself from stereotype views or fixed ideas is important to me. The importance of looking at things from more perspectives. In a grand scale, it just means that there really is no set way of life. I’m still in search of this still too, but I hope to embody that through my life as an artist.
O:どうでしょうね。近いかもしれません。これは自分へのメッセージでもあるんですが、固定概念からの解放みたいなことを重要に感じているんです。物事をもっといろんな視点で見る事が大切だっていう。決まった考え方や、大きく言えば決まった生き方みたいなものは無いっていうことなんですが。これも自分自身模索中って部分がありますが、でもそれを僕はアーティストとして体現出来ればいいと思ってます。

*We saw the words “Will Draw For Food” at your last exhibition. Can you tell us what your message was?
*前回の展示で会場に『Will Draw For Food』という言葉を書かれていましたが、その言葉に込めた想いを聞かせて下さい。

O: This means that I want to make a living doing what I love to do which is drawing, but it also is showing my respect to my Grandfather. He made a living as a landscape painter and that to me is a remarkable thing.
O:これはやっぱり絵を描いて食べていきたい。好きなことをやって食べて行くっていう気持ちなんですが、他にも祖父への尊敬の意味も込めているんです。僕の祖父は風景画家として絵を描いて生活していたので。これはやっぱりすごいことだなって。そこへの尊敬の気持ちも込めています。


*Here is my last question. What is the meaning of this exhibition, “Space and Reality”.
*それでは最後の質問ですが、今回の個展のタイトル『SPACE AND REALITY』に込められた意味を教えて下さい。

O: This is like I am bring skateboarding, which is my reality, into space called gallery. It’s related to what we talked about earlier, but I want people to feel the duality of things, like the two faces of the same place at night and during the day.
O:これは『空間と現実』って意味で、画廊っていう空間にスケボーという僕なりの現実を持ち込むっていう感じですね。さっきの話と繋がるんですけど、昼と夜とで一つの空間でも二つの現実があったりしてっていう部分とか、そこにある二面性を感じてもらえればって意味ですね。

It seems that originalstyle depicts the messages and lessons parables of skateboarding, as a skater and an artist. At Atmosphere, we will keep on eye on his future works and activities!
スケーターとして、またアーティストとして彼は、スケボーという例え話によってそこに潜む教訓やメッセージを読み解き、表現しているように感じられた。
アトモスフィアでは、今回自身の作品や製作姿勢について話してくれた彼の作品に今後も注目していきます。

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originalstyle official website : http://orista.jp/
originalstyle webサイト

originalstyle exhibition 『SPACE AND REALITY』(Finished)
Place: Kojimachi Gallery
website:http://www.amatokyo.com/garou/
Address: Kojimachi, Chiyoda-ku Tokyo
Tel:03-3221-3953

Interviewer: Yuma Okubo
Translator: Amy yamamura

2009年12月15日

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INFO: ”ALL ABOUT DEMOCRACY” by Mathias

Atmosphereでは、DIESEL DENIM GALLERY AOYAMAにて2009.11.20 (FRI) ~ 2010.1.31 (SUN) までの間に展示をしているMathiasというオランダ人アーティストのイラストの展示が行われることをお知らせいたします。これまでMathiasは新聞や雑誌に漫画やイラストを発表してきました。今回の展示ではその中から選りすぐった傑作、およびDIESEL DENIM GALLERY AOYAMAのために制作された新作が展示されます。
Atosphere would like to feature the show which is on at this moment in DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA. They are presenting the first solo exhibition of Mathias, “ALL ABOUT DEMOCRACY” showcasing his best works from cartoons and illustrations for newspapers and magazines. Mathias also created new works in print and film exclusively for this exhibition.


概念 : 民主主義の全貌
Concept: ALL ABOUT DEMOCRACY

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All About Democracy
Photo : Ken Kato

“今日の世界は腐敗そして堕落し、もはや機能していない。
コミカルなタッチで政治情勢を語る時代はもうとっくに終わっているよ。”
そんな、強い姿勢を示すMathias。

“The world is rotten, corrupt and bankrupt and it is not the time to explain the political situation in friendly cartoons”. Quite strong attitude towards the politic.
(Press Releaseより / Quote from Press Release)

About Mathias:

1970年、オランダ、ホルスト生まれ。
幼少時代には漫画やイラストを描き続け、後に広告を学び、オランダにあるSchool of Fine Arts in Enschede にて、カメラワークやビデオ編集など、映像制作を専攻し、テレビ局でのドキュメンタリー制作やコマーシャル、アニメーションとイラストとは違った分野でキャリアを積む。
Mathias was born in 1970 in Horst, the Netherlands. As a young kid he was always busy with a pencil and paper drawing comics. After he studied advertising, he went to the School of Fine Arts in Enschede, the Netherlands. During his study, he developed himself into an audio-visual artist focusing in camerawork and video editing. He left the illustration path for a few years, and started to work for tv stations and produced documentaries, commercials and animations.

2006年、ブログ上でイラストを発表したのをきっかけに、オランダやベルギーの由緒ある雑誌より作品の掲載オファーを受け、本格的にイラストを再び描き始めることになる。In 2006, he opened a weblog to publish his illustration works and this resulted in projects offered by some important Dutch and Belgian magazines like; Vrij Nederland and Knack Magazine. During the summer of 2008 Mathias made six covers for the Belgian tv-guide ‘Focus-Knack’.

2008年夏には、ベルギーのTVガイド誌‘Focus-Knack’のカバーを6本も手がける。今まで、Vrij Nederland, Knack Magazine, Le Vif l’Express Decouvertes, Nrc Next 、Indymedia.beで作品を発表しており、ここ数年では、NRC Nextという新聞誌面でも活躍の場を広げている。
Since 2008, Mathias’ works is published in Vrij Nederland, Knack Magazine, Le Vif l’Express Decouvertes, Nrc Next and Indymedia.be. In 2008 and 2009 Mathias’ works appeared in the daily newspaper, NRC Next.
www.mathiasuwtekenaar.be/

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All About Democracy
Photo : Ken Kato

Mathiasは、大統領や政治家などの著名な権力者を選び、彼らと今日の世界情勢を題材にしたストーリーを鋭い視点と洞察力で風刺画風に作り上げていく。彼のイラストには、今日の社会状況や民主主義に対する不満や疑問が描かれ、その奥には貧困や環境汚染、そして不正のない平等な社会を望んだ強いメッセージが込められている。
Mathiasは、彼らの姿を鮮明にそして酷似にコンピュータ上で次々に描きあげていく。電車でもレストランでも至る所でノートパソコンを広げて創作活動をする彼の姿は、まもなく東京でも見られることになる。
Mathias draws well-known people in power like presidents and politicians, and develops stories of those characters based upon the current world situation. The cartoons drawn by his keen observation on social circumstances lampoon the current democracy, but also his hope for a better world without poverty, environmental pollution and justice for all can be seen. Mathias makes realistic digital illustrations on his laptop. He works everywhere, at home, in the train, in restaurants and soon in Tokyo.

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DIESEL DENIM GALLERY ARTWORKS SHOPPING

会場にてMathiasのオリジナル限定Tシャツ(¥6,090)やアート作品を販売しています。
オフィシャルWEB SITEでは、ALL ABOUT DEMOCRACY オリジナルPC壁紙&携帯待受をプレゼントもしている模様!
Artworks from past and current exhibitions and original T-shirts can be purchased at DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA. Please take a look at works by Chi Peng, Jules Julien and Timothy Saccenti on the website.

INFORMATION
TITLE: “ALL ABOUT DEMOCRACY”
ARTIST: Mathias (マタイアス)
Curator: Kimiko Mitani Woo / MW Company
日時: 2009.11.20 (FRI) ~ 2010.1.31 (SUN)
場所: DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA 2F
住所: 東京都港区南青山6-3-3
Tel: 03-6418-5323
Web: www.diesel.co.jp/denimgallery開館時間: 13:00〜20:00 / 休館日: 不定休
協力: 株式会社 アートフリーク / コエドブルワリー

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about Kimiko Mitani Woo / MW Company

インディペンデントアートキュレーター、アートプロデューサー。
Wieden + Kennedy Tokyoにてナイキの営業担当として勤務した後、2008年5月に独立。 Akasaka Art Flower 08、Nam June Paik Art Center Opening出品作家のマネジメントなどに携わり、2009年2月にMW Companyを設立、東京と上海を拠点に本格的なアートプロデュース活動を開始。既存のアートシーンの枠組みを超えた新鋭アーティストの発掘及びユニークな幅広い分野での作品発表の場をプロデュースし、東アジアのアートシーンの発展に努める。
主な仕事は、DIESEL DENIM GALLERY AOYAMAでのアート展やGYREアートウィンドウの年間を通じたキュレーション、CCC(静岡市クリエーター支援センター)にてJENKINS展のゲストキュレーションやCREAMヨコハマ国際映像祭のPRなど。また来年に向けた上海でのプロジェクトなど勢力的に活動中。
Independent Art Curator / Art Producer.
After a career at Wieden + Kennedy Tokyo as an account executive of Nike, Kimiko Mitani Woo follows her dreams working with “Asian art and design”. Having worked on a few art projects such as Akasaka Art Flower 08, the artist management for Nam June Paik Art Center Opening, she established MW Company in February 2009 and started working in art producing in Tokyo and Shanghai. The main role of the company is to expose young and upcoming artists who represent a unique and non-traditional perspective of the world. By doing so, MW Company provides and encourages opportunities and development of the East Asian art scene.
The projects for 2009 are: the curation for DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA and GYRE ART WINDOW throughout the year, guest curation of JENKINS at CCC in Shizuoka, PR for CREAM YOKOHAMA International Festival for Arts and Media 2009. Currently, she has been preparing for upcoming Shanghai project in 2010.
www.mw-company.com

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about DIESEL DENIM GALLERY

東京とNYにしかないDIESEL DENIM GALLERYは、ディーゼルの中で最もプレステージが高いDIESEL DENIM GALLERYのコレクションと、ギャラリースペースが融合したストア。新進気鋭のアーティストのサポートも積極的に行っており、フロアを作品の発表の場として開放している。DIESEL DENIM GALLERY AOYAMAでは、フロアごとに異なるアーティストによるインスタレーションやアート展を開催しており、1Fは年2回のインスタレーション、2Fは年4回のアート展を開催し、アート作品の販売も行っている。独自のユニークなアイデアで革新的なライフスタイルを提案するディーゼルのアートな空間をDIESEL DENIM GALLERY AOYAMAで是非お楽しみください。
Only existing in Tokyo and New York, the store for the most prestigious “Diesel Denim Gallery” collection at Diesel, DIESEL DENIM GALLERY functions as a gallery space as well.
It has actively supported talented rising artists by providing its space to exhibit their work.
DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA holds store installations and art exhibitions featuring different artists on each floor. On the 1st floor, the interior is completely reconstructed twice a year by art installations. Art exhibitions on the 2nd floor take place four times a year, and actual artwork can be purchased during the exhibition.
Experience Diesel’s unique and innovative art space at DIESEL DENIM GALLERY.
www.diesel.co.jp/denimgallery


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2009年12月24日

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NEWS: VIDEO from Gloved up

Festive Film from Glovedup Gloves featuring Madonna, Rihanna, Lady Gaga, Anna Piaggi and many more lovely ladies who Glovedup in 2009. Music by Stretch8Sounds

About Gloved up:

Gloved up is consists of Laura Rick and they are Pioneering purveyor of modern gloves since 2001. Glovedup set out to change fashion history by putting gloves back onto the agenda.The early collections of Glovedup fingerless gloves soon caught the attention of British Vogue and i-D magazines, followed by fashion editors, stylists and buyers around the world.Commissions from rock divas, designers, stylists, and uber fashionistas, have seen Glovedup Gloves in music videos, on concert stages and catwalks, and in glossy magazine spreads around the world.

LauraとRickからなるグローブデザインのユニット。2001年から活動を始め、現在オランダ/アムステルダムを拠点に活動している。彼らは自らのコレクションを行うと共に、数多くのインターナショナルなスタイリスト、雑誌に向けて作品を制作し、またデザイナーFeverd Deviant, Julien Macdonald 等といったコレクションにも作品を提供している。その活躍はイギリスのVogueやi-D magazineなどに取り上げられ、Gloveだけでなく、ガーター、サッシュ、ポンチョ、アームレット、カラーやスパッツも近年では作っている。多くのロックな歌姫、デザイナー、スタイリストに愛され、ミュージックビデオはもちろん、コンサートのステージ、キャットウォークなどに起用されており、グローブ界のパイオニア的存在。

URL:http://www.glovedup.com/

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INTERVIEW: TARO HORIUCHI (Fashion Designer)

今回、Atmosphereでは初のコレクションを発表したばかりの堀内 太郎さんのインタビューを行いました。インタビューアーは、世界各国のファッションニュースをどこよりもいち早く発信しているLondon Tokyo Styleのチーフ・エディターである滝田 雅樹氏です。

This time, Atmosphere would like to feature the fashion designer Taro Horiuchi who just released his first collection. The interviewer is Masaki Takida who is the editor in chief of London Tokyo Style which is fashion news site releasing the latest fashion news of the world.

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‐今回のコンセプトを教えてください
-Could you explain the concept for this collection?

信仰と自然と時間、3つのキーワードを軸に制作しました。今回のグラフィックは、0から9の数字を手で繰り返し書いているのですが、そのように淡々と繰り返すことの集約が美しさを生む。そしてコレクションとしては、グレーという単調な色のみを使いたいと思い、そこで自分に何が出来るのかというのを試しました。
Faith, nature and time –I worked around these 3 keywords to create this collection. The graphics for this collection are numbers from 0-9, drawn by hand repeatedly, and it is this sort of straightforward repetition that brings beauty. Also, as a collection, I wanted to use Gray only and see what I could do with that.

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‐展示会をやってみてバイヤー、プレスからの反応はどうでしたか
-What were the reactions from buyers and the press after the trade show?

プレスの反応は良かったのですが、バイヤーには値段が高いとは言われました。クオリティとデザインの面に関しては凄く良いけれど、値段の部分は指摘されました。でもそこを曲げる気は無いですし、(値段を)落とす意味も無いのかなと思います。
The response I got from the press was good, but the buyers told me that the prices were too expensive. The quality and the design were excellent they said, but they pointed out about the price. But I don’t plan to change that and I don’t really see any point in lowering the prices either.


‐これからもそこは変える気はないということですね
- So you don’t plan to make any changes about that.

今の所はないです。そこで勝負して何とかしたい、切り開いていけたら良い、そこで勝ちたいですね。
No, not for now. I want to play the game here, to break through in this ballpark, so.


‐今回のコレクションで一番大事にした部分はどこですか
-What was the most important thing for you in this collection?

派手にしないこと。インパクト勝負にはしたくなかったというのがあったので、凄く静かな中で何かできたらと考えました。
Not to make it “loud”. I didn’t want to make a statement with impact, and wanted to make creations in a very quiet place.

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‐物凄く綺麗な物を作っているのはわかるけど派手さが無い分、着て始めてわかる部分が多かったのでモデルがいればもっと良かったのかなと感じました
-Your garments are beautiful but because of the lack of impact I thought there were many details that wouldn’t be noticed unless actually worn. Maybe it would have been better to have models?


服は着てみなくてはわからない、ある意味それで良いのかなと思います。来シーズンもキャットウォークはやりませんが、アイテムのサイドも見せられるような、着た状態で動いた物も見られるような形のビデオは作るつもりですし、インスタレーションではモデルも一人か二人は立たせたいと思います。
Clothes have to be worn in order to really “get” them, and I think that’s fine, in a way. I won’t be doing a cat walk for the next season either, but I plan to make a video so that people can see the items that I make, as well as look at the clothes in motion when worn by a person. Plus I plan to have one or two models at the installation too.


‐次も今回と同じように広いスペースで見せるという形になるのでしょうか
-So your next collection will be shown at a very spacious venue like the one you used for this collection?

ショー形式よりはインスタレーションの方が性にあっていると思います。全体的な物を見せながら空間と服と音と匂いで見せるという。
I think doing installations suits me more than doing shows, -showing my work through space, garments sound and smell to show my work as a whole.

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‐今回の見せ方で工夫した部分はどこですか
-What aspect did you elaborate on for this installation?

ショーでは見せられない見せ方を考えた時に、インスタレーション形式で空間で見せる。ビデオがあったり、音があったり、ユーカリの葉を踏んだ時の感覚など、空間を使ったシステムを作って何か出来ないか、全体で服のイメージを伝えたいと思いました。服自体がシンプルなので、そこにエクストラな要素や価値を生み出すということに重点を置いたときに、自分はそういった見せ方が良いのかなと感じるので。この服でショーをやるのは難しいと思いますし。理想的には、ショーもやりつつインスタレーションもやるという形が出来れば良いのですが。
To show things that you cannot in a show, through the installation space. To come up with things you can do using the system inside a space. For example, with video, sound and the sensation of stepping on Eucalyptus leaves. The garments themselves are very simple so to put weight on adding extra elements and creating extra value was I think the best way to show my work, and it would be difficult to do a show with these clothes too. Ideally, it would be best to do a show and an installation.


‐今のマーケットにおいての自分の立ち位置はどう考えていますか
-Where do you think you stand in today’s market?

今までのドメスティックからしたら若手としても、ある程度売れているブランドと比べても高いかもしれませんが、そういったブランドとクチュールとの中間なのかなと思います。その中でどういった方法を取っていくのかは難しいと思いますが。やはり見られる場所を作るというのが一番早いのかなと思いますが、そこでお店を作るのは大変ですし、ショールームのようなものが作れたらなと思うのですが。
Looking at my clothes from a domestic brand’s point of view, think my stuff is expensive for a young designer, even compared to brands that are selling well, but I think I am in between that and courtiers. It’s hard to come up with how to do things in that position, but to I think the most productive thing to do would be to show my clothes to the public. It is very hard to have your own store, but I hope to make something like a showroom.


‐シーズン毎というわけではなくですか
-You mean, not for each season?

一応シーズン毎に目安やコンセプトはあってもいいと思うのですが、販売に関しての方法は卸だけじゃないのかなとも思います。例えば、お客様が予約制でアトリエにいらっしゃって、欲しい物をオーダーして2ヶ月後に納品でもいいと思います。ある程度クオリティの高い物は、急いで欲しい物でも無かったりすると思うので、そういうところに対応出来たらなと思います。今のファッションは一発勝負というか、お店の戦略なども含め、冷静にならないうちに買わせるような、ある意味不意打ちみたいな部分があると思います。そうではないところで戦いたいと思っています。「待ってでも欲しい」と思っていただける物を作りたいですし。
It’s okay to have concept or ideas for each season, but I don’t think wholesale is the only way for selling clothes. For example, I’m thinking that a customer can come into my atelier and order something to be delivered two months later. Things of high quality can’t always be in your hands immediately. I hope to meet the needs in that way too. I think today’s fashion is too much like a one-game-match, where the stores make you buy things without giving you real time to think about it, which is probably the stores strategy. I don’t want to make my challenges in that sort of place. I want to create things that customers want even if they have to wait.


‐今回実際オーダーしてくれた層について教えてください
-Could you talk about the demographic of the customers who actually made orders this time?

2つに分かれていて、ひとつは40~50代の富裕層というか、ある程度、服にお金をかける余裕がある層、もうひとつはコンセプト自体に共感して買いたいと思っているクリエイター層です。
There were two types. One was middle age money class who spend substantial money on clothes, and the other was the creator type who liked my concepts.


‐最初から自分が狙っていた層と合致していますか
-Did they match the tier you were aiming for?

それは、どちらかといえばクリエイター層というか、コンセプトに共感してくれる方に買っていただけたらなとは思っていたのですが、必ずしもそういう層がお金を持っているわけではないので、その2つを大切に良いバランスを取っていけたら一番理想かなと思います。そして、やはり富裕層の方は良い素材を知っていると思いますし、触るだけでその価値がわかる知識をお持ちなので、重要だと思います。
It would be great to have the creator types to like your stuff and buy them but they don’t necessarily have the money, so it’s very idealistic to have the two types and carefully nurture the balance. I also think that many of the wealthy people know about real quality and good garments, and can tell the value just by feeling garments, so I think that is very important too.


‐ただそういった層(40,50代)に対しては少し線が細すぎたのかなとも感じました
-Yet, I felt that the clothes were a bit too slim for that class.

そこは重要な反省点ではあります。でも細い物だけに興味があるわけではないので、その中で次は面白い物が出来たらと思っています。大きくした中でも綺麗なライン、美しいラインを作っていけると思っています。
Yes, that is a very good point. I’m not interested in only making slim designs so I’m thinking of creating beautiful lines in larger garments.


‐今回ラインが細かったのはその細さが自分が一番美しいと感じるラインだったからですか
-Were the lines slim for this collection because that is what you felt is most beautiful?

というよりは、やりたかった世界観に近かったという感じです。でもそれが必ずしも限定されるものではありません。勿論自分のやりたい世界観には幅がありその中からチョイスしたので、そこをずらすことは可能かなと思います。機能という意味では、動きやすさというよりは通気性とかの方を考えてしまっていたので、動きやすさという部分では足りなかったと考えています。
More like that was close to what I wanted to create. Still that is not a limited thing. Obviously, there is a range to my imaginative world and that is something I chose for this time, but I think it’s possible to make a shift from there. In terms of function, I put the weight on ventilations rather than the comfort of the fit, so that is another point to fix.

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‐ファーストコレクションを終えて自分で良い物を作れたと思いますか
-You’ve finished your first collection, but how would you grade yourself?

ファーストコレクションにしては良い物を作れたのかなとは思います。でも満足することなんて絶対に無いと思いますし、今までも無いので、次はもっと良い物をやりたいなと思います。でもやりたいことは沢山あって、それを全部出来たら一番良いと思いますが。
I think I did good, considering that it was my first collection. But I don’t think I will ever be satisfied, and I never have been, so I hope to do better next time. There are so many things I want to do, so if I could do them all, that would be the best.


‐次に対する一番大きな課題はどこだと思いますか
-What do you think is the biggest challenge for your next collection?

やはり僕の弱点は、お店を知らないなどの根本的な部分だと思います。
クリエイションの部分で負けるとは思っていませんし。
I think my biggest weakness is the fact that I don’t know basic things like about stores and boutiques. I don’t think I’m loosing from a creation point of view.


‐今後の方向性を教えてください
-Could you talk about your future direction?

今回、クオリティを落とさなかったのは間違っていなかったと思うのと、
ビジネス的な視点からも色々と可能性はあるなと思ったので、今後は、新人としては新しい戦略の立て方、服の作り方が出来ればと思っています。
I don’t think I made a mistake in not bringing down the quality, and I also felt that there are many more possibilities business-wise. From now on, as a new artist, I want to make new strategies and take on new ways of creating garments.

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‐クオリティの部分とは
-What do you mean when you say “quality”?

素材だったり、縫製だったり、パターンもそうですし、一つ一つの部分をどこまでこだわるかという部分ですね。
The material, sewing quality and patterns, -the details and effort I put in each of the elements


‐それは納得のいくものだったのでしょうか
-Are you satisfied with that aspect this collection?

納得できていないなりに他のものより上という自信はあるので、その部分は更に上げていきたいと思っています。
Not satisfied but I still think it is better than the other stuff, so I want to raise that level more.


‐可能性という部分について教えてください
-Can you talk about the possibilities you mentioned?

販売経路や、方法論として今まで無い物を作っていかないといけないというところで、勿論値段の問題もあるので僕なりの方法論自体を作らないといけないと思いますし、高いなりの戦い方を考えなければいけない。お店という部分では苦戦していますが、個人という部分ではある程度付いていただけたので、そこで得られたヒントの中で方向性を定めていかなければならないと感じています。
I think that I have to come up with a new methodology, which will work with the high prices such as new selling routes. I am struggling with trying to sell my clothes to boutiques, but I am gaining personal cliental on the other hand, so I feel that I need to set my directions based on the hints I have acquired from that.


‐これからのファッションの在り方についてどう考えていますか
-What do you think that future of fashion is?

(ファッションが)どうあるべきかというのはあまり考えていなくて、多様性の時代だと思うので、結局自分が何をやりたいかで決まってくると思います。きっと、買う人も変わってくると思いますし。昔のように、雑誌の表紙に載っている物が売れるかと言ったらそうではない時代になってくると思いますし、むしろそこがダサいと思う人も増えてくると思います。そうなった時、自分の価値で選ぶ時代が来るのだと思います。だからクリエイター自身も本当に自分のやりたいことやって自分なりの見せ方、雑誌で見せるということを重要視するデザイナーもいれば、ネットで配信するデザイナーもいるし、ショーやる人もいるし、みんな方法論が違ってくるのではないでしょうか。
I don’t much think about how fashion “should” be. I feel that we are living in a time of diversity, so I think it all depends on what you want to do. Consumers will probably change too. I think that clothes on the cover of magazines will not sell like it used to, but rather more people will feel that that’s cheesy. When that time comes, that’s when people will choose what to wear based on their own values. That’s why creators will do what they want to, show it in a way they want to present it –through magazine or through the internet or maybe through doing a show-I think everyone will be different.

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‐次回からメンズもスタートするそうですがメンズをやろうと思ったのはなぜですか
-You are starting a new Men’s line from next season. Why is that?

単純に要望があるのと、やってみたいと思うからなのですが、着たい服が無い、欲しい服がない、自分自身が着たいエリアの服が無いのも理由のひとつです。何か、自分が提供出来る物があるのではないかと思います。
Simply because there was demand for it, but another reason is because there are no clothes that I want to wear, that I want to buy for myself. I think there’s something I can provide in that way.


‐レディースは自分にとってリアルではないものですがメンズはリアルなものになるのですか
-Ladies garments are not real for you but will Men’s clothes be real to you?

ディテール的には自分が好きなものになっていくと思いますが、サイズ感は自分に合わせたら他の人に合わないので、そこは考えているところです。
Detail-wise, it will probably be what I like, but size-wise it would have to fit other people so I have to think about that.


‐どのような男性像になるのですか
-What sort of a male figure would it be?

レディースと同じですね。理知的な人。今回もこのアイテムでメンズないのかという方もいらしたので、そう言っていただけるならやりたいと思いますし、メンズ自体好きなので。今回、バイヤーの方がおっしゃっていたのは「メンズライクなディテールや、思想だからメンズの方が受け入れられるんじゃない?」と。男性はコートなどでも、もっと値段を出してもいいから、一過性の物ではなくて、長く着られる物を買いたがったりするじゃないですか。そういう意味で、価値として合致するのかなと思います。レディースも、サイズによってメンズが着られるようにするものもありますし、全体的に共通したアイテムが着られるようにはなるのかなと思っています。ユニセックスというわけではないですが、自分もレディースの服買ったりしますし、女性でも大きいサイズが好きな方もいると思うので。
Same as the ladies line, -intellectual. There were people who asked me if there weren’t any Men’s version in this collection, and that makes me want to do it since I actually like doing Men’s. Buyers also told me that “since there are Men’s-like detail and concept, it may be more popular to Men.” Men tend to pay a higher prices for items like coats that is not trendy but can be worn for a long time, don’t you think? So in that way, I think my prices will meet the needs. I plan to have garments in the Ladies collection that can be worn by Men in a larger size, and there will be items that can be worn by both men and woman throughout the collection. It will not be “unisexual” per-say, but I sometimes buy Ladies clothes and some woman like larger sizes too, so.

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‐アクセサリーはどちらかといえばユニセックスですよね
-Your accessories to seem more like unisexual.

そうですね。ジュエリーは今後増やせればと思っています。
ジュエリーには可能性があるというか、ファッションデザイナーがジュエリーをやることがあまりないと思うので、面白いと思います。
Yes. I plan to put out more jewelry in the future.
There are lots of possibilities in jewelry, and I don’t think many fashion designers do jewelry, so it is sort of fun for me.


‐メンズライクなジュエリーは作らないのですか
-Are you going to make Men’s like jewelry?

ジュエリーも自分自身付けたいと思う物が無いのでシンプルで欲しいと思える物を考えています。
There isn’t any jewelry that I want to wear either, so I’m thinking of simple jewelry that I want to wear myeself.

Translation: Amy
Photo by London Tokyo Style

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London Tokyo Style : URL http://blog.londontokyostyle.com/

Taro horiuchi: URL http://www.tarohoriuchi.com/

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from BOB LONDON

Greeting from UK base Artist BOB LONDON!
UKを拠点に活動するアーティストBOB LONDONよりカード頂きました!

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ABOUT BOB LONDON:

Bob London is an illustrator living and working in LONDON, UK. He continues to develop his hand drawing work that is delicate, beautiful and yet peculiar.

BOB LONDONはイギリスをベースに活躍するイラストレーターです。彼の手がける手描きのイラストは、とても繊細で美しいが何とも言えない奇妙さを兼ね備えています。

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Wataru Komachi

Greeting from TOKYO base Artist Wataru Komachi!
TOKYOを拠点に活動するアーティスト小町渉さんよりカード頂きました!

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About Wataru Komachi:

In 2000 he exhibited his work "USED Sofa/ a recover work of a chair" at THE DEEP
GALLERY in Tokyo. In the same year, he also had an exhibition "CHIRISTORHELEMAIRE @ WATARU KOMATI" at Collete in Paris after participated in a show "LA PLAGES". Another exhibition "EXPOSITION COLLECTIONS PARTICULIERES" at Bon Marché in Paris. He also designed T-shirts for Beck's Europe tour and is expanding his career internationally. In 2005, he achieved BEST TOKYO DESIGN AWARD in Tokyo Design Tide. The work of Komachi was used for promotion in entire builing of Matsuya Ginaza in 2008.

2000 年東京(THE DEEP GALLERY) にてUSED ソファ/椅子を題材としたRECOVER 作品を発表。同年パリ( コレット) にてLA PLAGES 展参加を機にパリ(CHIRISTORHE LEMAIRE@WATARU KOMATI) 展。パリ( ボンマルシェデパート)FASHION とART の展示会 (EXPOSITION COLLECTIONS PARTICULIERES) 展。ミュージシャン(BECK) のヨーロッパツアーT-SHIRTS を手掛ける等海外での活動を本格的に展開。2005 年TOKYO デザインタイド (BEST TOKYO DESIGN)AWARD 受賞。2008 年 松屋銀座 全館アートコラボレーションに起用される。

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Neasden Control Centre


Greeting from UK Artists Neasden Control Centr!
UKのアーティストNeasden Control Centrよりカード頂きました!

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About Neasden Control Centre:

Neasden Control Centre / Stephen Smith b.1975. NCC is a UK based Graphic Artist working mainly across the fields of exhibition and installations, graphic design, Fine art and film. NCC has released 3 monographic books, Neasden Control Centre (Die Gestalten Verlag, 2003), Smith field Building (Rojo, 2006) and Lost Control (Die Gestalten Verlag, 2007).

NCC ことStephen Smith は1975 年生まれのグラフィックアーティスト。イギリスを拠点に、エキシビション、インスタレーション、グラフィックデザイン、アート、フィルム等多岐に渡った制作活動を行う。これまでにドイツのアート・デザイン系出版社・ゲシュタルテンより「Neasden Control Centre」(2003)、「Lost Control」(2007) が刊行され、2006 年にはバルセロナを中心に、出版・TV・DVD コレクションを通してアートPR 活動を行うRojo より作品集「Smitheld Building」もリリース。

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Carolin Lobbert

Greeting from Germany base Artist Carolin Lobbert!
ドイツのアーティストCarolin Loebbertよりカード頂きました!

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About Carolin Lobbert:

Born in September 1981 in Haltern in Westfalen. 2002 she started to study "illustration and communication design" at the University of Applied Sciences in Hamburg (HAW Hamburg). Since 2003 participation in several group exhibitions. Since 2004 publication in different magazines and anthologies. Since 2004 working as a freelance illustrator and graphic
designer. In 2008 successful degree of the study with the Diploma with the project "Alles ist Zahl" which was shown in the galerie Linda e.V. in Hamburg. At the moment she is living and working in Hamburg

1981 年、ドイツウエストファーレンのハルターン生まれ。2002 年にハンブルグ応用科学大学にてイラストレーションとコミュニケーションデザインを学び始める。2003 年よりベルリン、ストラスバーグ、東京などにて複数のグループ展に参加。2004 年より様々な雑誌や選集で活躍。2004 年よりフリーランスのイラストレーター、そしてグラフィックデザイナーとして活動する。2008 年の始めにハンブルグのギャラリーLinda e.V で発表したプロジェクト“Alles ist Zahl” により優秀な成績を納め卒業。現在ハンブルグに拠点を置いている。


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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Jonathan Barnbrook

Greeting from UK base Artist Jonathan Barbrook!
UKのアーティストJonathan Barbrookよりカード頂きました!

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About Jonathan Barnbrook:

Barnbrook design is one of the most well known design studios working in London today. It has been producing innovative work since 1990. The studio works across a broad range of disciplines including print design, industrial design, typeface design and commercials for television. The studio's clients range from international museums to underground music magazines and self-initiated exhibitions. Barnbrook design also teach and lecture widely.

イギリスを代表するデザインスタジオとして活躍するBarnbrook design。1990年から革新的な作品制作を開始。プリントデザイン、工業デザイン、タイプフェイス、TVCM等幅広い分野で活躍し、最近では六本木ヒルズのCIデザイナーとして知られる。国際的に有名な美術館を手掛け、世界各国で数多くの賞を受賞するスタジオとして活動する反面、アンダーグラウンドミュージックマガジンの制作や非商業的なプロジェクトにも携わり、これからのデザイナー・デザインの社会的役割を問いかける。


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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Ahonen & Lamberg

Greeting from Paris base Artist Ahonen & Lamberg!
パリ在住のフィンランド出身のアーティストAhonen & Lambergよりカード頂きました!

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ABOUT Ahonen & Lamberg:
Ahonen & Lamberg are a Finnish design duo based in Paris. Anna Ahonen and Katariina Lamberg both studied at the same design university in Helsinki, Finland, but didn`t meet until they both ended up in Paris. In Spring 2006 they founded the studio and since then they have been doing art direction, graphic design and illustrations for various clients, such as Cerruti, EMI, Virgin, Uniqlo, Amnesty International, and in 2007 they co-founded a cross-cultural magazine, Dossier. The duo collaborated with Wallpaper* for our March 2009 fashion issue, producing a number of typographic title treatments based on redrawing A. M. Cassandre’s Bifur.

フィンランド出身、パリを拠点として活動する若手デザインデュオ。2人はヘルシンキにある同じ大学で勉強していたが、パリに行くまではお互い出会っていなかった。2006年にスタジオを開け、EMI,Virgin, Cerruti, Uniqloなど様々なクライアントと仕事を手掛ける。その間、パリ・ファッション界の新生スター、シャルル・アズナズやフロリアン・ドゥニクールとの仕事で注目を集める。その他にも、selfservice magazineでのアートワーク、音楽業界、映画業界、Wall paperなどの雑誌と数々の仕事を手がけている

http://www.ahonenandlamberg.com

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from Toby Neilan

Greeting from UK base Artist Toby Neilan
UK在住のアーティストToby Neilanよりカード頂きました!

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About Toby Neilan

Toby studied at Chelsea College of Art before foing a BA in visual communication at Middlesex University, where he specialised in illustration and screen printing. His art work falls into two main categories, architecture and fashion.

Tobyは、イギリスにあるチェルシー・カレッジ・オブ・アートで勉強した後、ミドルセックス大学にて、ビジュアルコミュニケーションでイラストレーションとスクリーン・プリントを学びました。彼のアート作品は建築とファッションという主に二つのカテゴリーに分けられます。詳しくは、www. tobyneilan.com

2009年12月25日

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from SHOWSTUDIO

Greeting from UK base online fashion and art project SHOWSTUDIO owned by Nick Knight.

UKを拠点に活動する、アートとファッションのオンライン情報サイトSHOWSTUIOよりカード頂きました!SHOWSTUDIOはフォトグラファーのNick Knightにより運営されています。

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ABOUT SHOWSTUDIO

SHOWstudio is an online fashion and art project that documents the creative process of the interactive and motion image projects it broadcasts via its award-winning website. Owned by photographer Nick Knight, it features unique works by leading creator of the world.

SHOWSTUDIOは、アートやファッションの情報に特化したサイトで、クリエイターの作品作りのプロセスをインタラクティブやモーションイメージで見せています。ウェブサイト自体の作りもショーを取るなどの実績をもっており、世界中のの人に注目されています。多くのトップクリエイター達のユニーク作品をウェブ上でみせており、それも全てNick Knightによって運営されています。

About this design:

This unique Christmas card, created by London accessories talent Fred Butler and based on images of the designs she created for the SHOWstudio SHOP.

今回のユニークなクリスマスカードは、ロンドンをベースに活動するアクセサリーのデザイナーであるFred Butlerです。彼女が、SHOW studio SHOPの為にデザインしたデザインが元に作られました。

http://www.showstudio.com/

2009年12月28日

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from OVERTURE

Greeting from USA base duo artist Overture!!

USAを拠点に活動する、2人組のアーティスト『Overture』よりカード頂きました!

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About Overture:
Overture was born of Jason Malcolm Brown and Aya Yamasaki Brown in the final days of August, 2004. A focal point where their creative intertwined, Aya and Jason created an opera house where all the peoples of their worlds could perform and be entertained. As the opening to an opera, Overture stands to introduce and describe these worlds through their work, resting mainly in animation and improvised illustration.

『Overture』について:
Overtureは、ジェーソン・ブラウンとアヤ・山崎・ブラウンの二人組のアーティストでアニメーションやイラストを得意とします。2004年の8月に結成して以来、二人が創り上げる空想のオペラハウスでは様々な人が演奏をしたり、楽しんだりしています。まるでオペラの序章(オーバチュア)のように彼らは、自分たちが作り上げるこの世界をアニメーションやイラストレーションの作品を通して表現します。

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GREETING: MERRY CHRISTMAS from ELLE JAPON

Greeting from ELLE JAPON!!

ELLE JAPON よりカード頂きました!

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About 2009年12月

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