EVENT: HIGH5 2 開催のお知らせ

2008年11月24日(月 – 祝日)にクリエイティブポータルサイト[HITSPAPER] が主催するデザインカンファレンス[HIGH5 2]が開催されます。
Design conference HIGH5 2 run by creative portal site HITS PAPER will be held on 24th of November 2008.
high_5_2_2_2.jpg
『デザインカンファレンス HIGH5 2』
日 時    : 2008年11月24日 (月 – 祝日) 13:00〜20:00
開催場所 : 横浜大さん橋ホール
主 催   : HITSPAPER
協 賛   : アドビ システムズ株式会社、株式会社ワコム
スピーカー :
artless /川上 俊 
丹下紘希 
Nam 
qubibi
Stefan Sagmeister 
Wieden + Kennedy Tokyo / +CRUZ 
入場料 : 通し券 3,000円 (税込) Tickets available from Hitspaper Webshopより。
定員    : 400人
※他、詳細は下記よりご確認下さい。
H.P : HIGH5 2 Official Site
H.P : Hitspaper Webshop
以下プレスリリースより:
今回のHIGH5のテーマは”Black Box”。人の脳は絶えず情報をインプットし、アートワークとして、言語として、時には感情としてアウトプットし続けています。現在の経済社会では結果のみが重視され、そのプロセスが疎かにされがちだと感じずにいられません。長い歴史を紐解いてもその過程や、そしてバックグラウンドとしてのスタート地点が長いスキームでは欠かせません。Black Boxというテーマを掲げた理由は正にこのような眼に見えない大事なモノを紐解きたいという憶いがあります。このイベントを通じてそのプリミティブな要素を探求出来れば幸いです。
Briefing from press release :
The theme of HIGH 5 2 is “Black Box”. The Brain of human being is always keep putting in the information and letting them out as a language, emotion or as an art work. In this economy based society, only “result” is tend to be emphasized rather than the process of it. Looking through the history book, it is obvious that process and starting point as a back ground is very important in a long term scheme. The reason why HITS PAPER chose the theme of “Black Box” is because they wanted to open up and see important things that are hidden in the process of making works. HITS PAPER are willing to explore the primitive element of people`s work through this event.
それぞれのゲストスピーカーに関して
About each guest speaker
・artless / 川上 俊
artwithsound.jpg
©artless
1977年東京生まれ。artless Inc.代表。グラフィックデザイン、アートディレクション、ブランディング、インタラクティブ、映像、インスタレーション、空間 演出など、ジャンルやカテゴリーに縛られず、広い視野でデザインを考え、活動している。また、国内外でのエキシビションやプロジェクトの参加及びキュレーション、各メディアへアートワークの出品など精力的にアーティスト活動も行う。ADC : Young Gun 6、NY ADC賞、One Show、グッドデザイン賞、東京インタラクティブ・アド・ア ワード等を受賞。
“artless” is an independent art and design studio founded by Shun Kawakami in Tokyo (1999). Their activities are in the framework and language of design. They have worked on several projects such as corporate Identity, concept making, branding, graphic design, interactive design, photograph, video, product, installation, architecture and so on. “artless” think “Design as a Visual Language”, and their active is in between “art and design”. They manifest diverse practice across fields of the art, the design, and the others. Different experiences give us a broader point of view. “artless” had expand their activity worldwide and their projects can be undertaken oversea. Their creative team includes “creative director, art director, graphic designer, interactive designer, programmer, architect, interior and product designer, film-director, composer, musician, photographer, illustrator, painter etc..”.
・丹下紘希
around%20the%20world.jpg
©Hiroki Tanka
1968年岐阜県生まれ。Yellow Brain代表にしてプロモーション・ビデオや映画の監督など多岐に渡る映像作家。舞踏家大野一雄に師事し、1988年にはオーストラリア万国博覧会に滑川五郎とともにダンサーとして参加した。東京造形大学デザイン学科卒業後、文化庁在外派遣芸術家として1年間ニューヨークに滞在。アーティストの楽曲を大胆に解釈し、「丹下色」とも言われるグレー、モノクロ、セピア等を基調とした独特の色彩の世界観を構築する。近年では、マバタキ製作所というデ ザインスタジオを設立している。
Taka was born in Gifu in 1968. Tanka is a video artist and direct variety of work such as promotion video and movie while working as representitive director of Yellow Brain. He worked for Kazuo Oono who is an Buto dancer. He also perticipated in Australian world exposition with Goro Namekawa as a dancer in 1988. Tanka graduated design course of Tokyo Zoukei Univerity and he was dispatched to New York as an artist by cultural agency affairs. He interpreted music of artist in bold way and constructed his original world with grey, monocrome, and sepia as his basic color and this color was known as “Tanka color”. In recent years, he built design studio called Mabataki production company.
・Nam
gooood_fix.jpg
©Nam
2006年5月グラフィックデザイナーの中沢貴之とフォトグラファーの間仲宇によりグラフィックと写真による可能性を探す制作活動をスタートさせる。2007年、 各ジャンルのアーティストたちの参加により総勢10名以上のグラフィック集団になる。作品集『Nam -Portrait』の出版、企画展の開催にむけて現在作品制作中。
“NAM” is an artist group originally established by Nakazawa Takayuki (graphic designer) and Manaka Hiroshi (photographer).
Currently, over ten artists from various backgrounds are belonging to NAM. They are searching for possibilities in the world of visual arts, and exploring the art based on their theme”A fantasy in life”.
・qubibi
pitfall_sample.jpg
©qubibi
1977年東京生まれのWebアーティスト。qubibiを屋号として活動。ビジュアルからプログラミングまでの一連の作業をほぼ一人で行うことが多く、個性的な作品作りを得意とする。主な作品としてはDAYDREAM、INDIA、TORIKAGOなど。カンヌ国際広告祭銀賞、One Show Interactive Gold、D&ADYellow Pencill、文化庁メディア芸術祭優秀賞など受賞。
・Stefan Sagmeister
20070823_211366.jpg
©Stefan Sagmeister
1962年、オーストリア生まれ。ウィーンの応用美術大学で美術学修士号(グラフィックデザイン専攻)を取得。フルブライト奨学生としてニューヨークのプラット・ インスティテュート修士号取得。広告代理店レオ・バーネットの香港オフィス、ニューヨークのM&Co.にクリエイティブディレクターとして勤務した後、1993年ニューヨークにサグマイスター・インクを設立。グラミー賞パッケージ賞に4回ノミネート。クライスラー賞、ニューヨーク・アートディレクターズ・クラブ金賞、東 京TDCグランプリなど数多くの国際的なデザイン賞を受賞する。
Stefan Sagmeister formed the New York based Sagmeister Inc. in 1993 and has since designed for clients as diverse as the Rolling Stones, HBO, and the Guggenheim Museum. Having been nominated five times for the Grammies he finally won one for the Talking Heads boxed set. He also earned practically every important international design award. In the beginning of 2008 a comprehensive book titled “Things I have Learned in my Life so far” will be published by Abrams. Solo shows on Sagmeister Inc’s work have been mounted in Zurich, Vienna, New York, Berlin, Tokyo, Osaka, Prague, Cologne, Seoul and Miami. He teaches in the graduate department of the School of Visual Art in New York and lectures extensively on all continents. A native of Austria, he received his MFA from the University of Applied Arts in Vienna and, as a Fulbright Scholar, a master’s degree from Pratt Institute in New York.
・Wieden + Kennedy Tokyo / +CRUZ
NIKE_PRESTO_04.1_SKWERM_DJ%5B2%5D.jpg
©Weiden + Kennedy Tokyo
80年代にNIKEで大ブレイクを越し、21世紀に入ってからも、HONDA、COCA-COLAなど数々のビッグキャンペーンを、卓越した表現の力で成功に導き、広告業界のトップを走り続けているクリエイティブ・エージェンシー。+cruzは彼のルーツでもあるアジアの文化への強い関心を活かしクリエイティブディレクターとしてNIKEを始め、Google、HONDA、Kumon、Mori Buildingなどのクライアントワークを手がける。また、東京オフィス発のハイブリッド音楽レーベル、W+K Tokyo Labのクリエイティブディレクターも務めるなど、常に新しい挑戦を続けている。
W+K leads many big campaigns such as HONDA, COCA-COLA to the success by power of the prominent expression. Most well known smash hit work was for NIKE in the 80′s. Even now in the 21st century, W+K continue running at the top of the advertising industry.
+cruz is creative director worked with clients such as NIKE, Google, HONDA, Kumon, and Mori Building. Since he has an Asian background, he always has his interest in Asian culture and he believes Asian has more influential power than they think. He is also creative director of the hybrid music label called W+K Tokyo Lab. He is constantly pushing his limit and facing new challenges.

“Trick a Tree” Optitude meets Daisuke Nagaoka

アーティスト永岡大輔氏と、株式会社JUNのOptitudeが期間限定アートプロジェクトを開催中。フラッグストアである青山店にて、映像によるインスタレーションに加え、永岡氏の新しい作品の展示、さらに、絵から生まれたOptitudeオリジナルの商品が販売中。
Optitude made an art project of limited time with an artist Daisuke Nagaoka in their flag store(Aoyama). They made special commodities along side with the installation inside their store and a new drawing by him.
【日程】 2008年10月1日〰2008年11月3日
【スペシャル・ディスプレー】 
Optitude 青山店 
港区南青山5-4-41グラッセリア青山
【展示内容】 “trick a tree” Optitude meets Daisuke Nagaoka。永岡大輔氏が描く木が実際に動き出し、時に動物となって現れ、はたまた商品の合間をすりぬけ、店内のあちらこちらに伸びていきます。
The tree drawn by Daisuke Nagaoka appears here and there in the store. Sometime, it appears to be like an animal. The other time, it go through the commodity and grow inside the shop like a magic tree.
【商品展開】バンブー素材スカーフ、バングル、トートバッグ、ポーチ&キーチェーン
【展開店舗】青山店、京都店
%E5%85%A5%E7%A8%BF_%E7%94%BB%E5%83%8F.jpg

SHOWCASE: The Pattern Foundry

“foundry” は書体メーカー名によく見られる呼び名だが、これは本来鋳物の鋳造所を指す言葉である。長らく印刷において金属を型に流し活字を作るという工程が含まれていたことから、書体の作り手もfoundryと呼ばれるようになった。金属活字から写植、そしてデジタルへと変化を経た今も、書体をデジタルデータで販売する多くのメーカーがfoundryと呼ばれている。
デジタル技術に後押しされ増え続けるfoundryのなかで、ロンドン発のThe Pattern Foundryは独自の視点でデザイナーにパターン図柄という表現の場を提供し、同時に受け手にそのデザインを楽しむチャンスを与えてくれる特異な存在。創設者であるRichard Rhys氏にお話を伺いました。
The word “foundry” frequently appears in the names of typeface manufacturers. The word originally refers to factories that make castings of metal. Since typefaces had a long history with casted metal types in printing, even after the transition to phototypes and to the current digital types, many typeface distributors call themselves foundries.
Amongst the growing number of foundries emerging encouraged by digital technology, The Pattern Foundry‘s approach is blissfully unique, providing an arena for expression and the public to enjoy high-quality patterns from the world’s most interesting designers and artists.
Atmosphere_blog interviews the founder Richard Rhys.

ウェブサイトのデザインはO-R-Gによるもの。
The website designed by O-R-G!


Q. Can you tell us how The Pattern Foundry got started?

A. I had the idea of the Pattern Foundry when working in America making prints for fabrics in 2005. I thought that there could be a need for something like this to exist; a library of updated high quality easily accessible decorative patterns! It was an after thought that it could involve artists and designers in the process. So the idea evolved from that point.

Q. The Pattern Foundryはどのようにして始まったのですか?

A. 2005年にアメリカで生地関連の仕事をしていたころ思いつきました。簡単に手に入る、ハイクオリティなパターン図柄コレクションに需要があるはずだと思ったんです。外部のアーティストやデザイナーを巻き込んでいこうと思ったのはだいぶ後のことです。

GRID pattern 2009 (new pattern)

Q. What’s the reason for focusing on patterns? The notion of repetition, scale and the self-reproductive nature within a singular image must be inspirational to many designers and artists. What kind of reactions did you get when you requested artists and designers to participate? Do you ever do direction? (Or give a theme to work on to designers/artists?)

A. I’m not sure but I do love working with patterns. A lot of people were very interested when I talked to them about being involved, a lot of people enjoyed being asked to do something they had never been asked to do before. I’m very happy with the patterns we have so-far – many of the them have lovely little stories of their origin and offer a small preview of the person that did them. I don’t really suggest what anyone does in particular but I can help if there is a need but other than that things are quite open.

綿にプリントされたCOTTON REEL柄に刺繍を施したもの
COTTON REEL printed onto 100% cotton fabric with actual random embroidery


Q. パターンだけ、というのにはなにか理由があるのでしょうか?反復や縮小拡大、自己増殖的な性格をもつパターンはデザイナーやアーティストにとって魅力的なモチーフだと思いますが、参加を打診したときはどんな反応がありましたか?また(Rhys氏が)ディレクションをしたり、テーマを与えたりということはあるのでしょうか?

A.特に理由は思いつかないのですが、個人的にパターンを使うことが好きなのは事実ですね。デザイン提供者の多くは今までにない種類の依頼だといって楽しんで取り組んでくれました。これまでのコレクションには満足しています。それぞれのデザインに作者の思い出や背景などがあって、作者の人柄を垣間見せるようなところがあると思います。とくにディレクションをするということはなく、オープンなプロジェクトといえます、もちろん、作家から質問などがあればその都度対応しています。

雑誌Wireの付録CDカバー(DISTORTED RECTANGLE
Wire Tapper 16 CD cover using DISTORTED RECTANGLE pattern



Q. Am I correct in thinking that there’s a curatorial aspect to the project? How do you choose artists? Do you ever do any “direction”? Also, people may notice that many of the participating artists/designers are regular contributors to the journal Dot Dot Dot, so geographically it’s very in-between London-Amsterdam-New York. Is there any reason for this?

A.The process of asking people to participate to the foundry since the beginning has always been enjoyable, and being in that position has given me the great opportunity to approach friends, friends of friends and people who’s’ work I have long and short admired. No there is no particular reason for this really I guess being in London is good for many reasons especially Geographically – being in the middle! I am inspired by the work produced by people in all countries not just the 3 you just mentioned – especially Japan.


Q. このプロジェクトには、キュレーション的な視点があるととらえてよいのでしょうか?
アーティストの選択はどのようにしていますか?またディレクションを与えることはありますか?それから、どうも参加している人はDot Dot Dotに寄稿している人などが多いようですが、なにか理由があるのでしょうか?

A. 知人や、友達の友達、そして前から尊敬していたひとなどに直接コミュニケートできるので、依頼をかけるのはとても楽しいです。ラインナップについてはとくに理由はないのですが、ロンドンは地理的にど真ん中だということではないでしょうか。僕は参加してくれている国の人だけでなく、日本も含めて様々な国の人の作品に影響を受けていますけどね。

Karl MartensによるUNTITLED 002を使用した仏雑誌étapesの表紙
(étapes magazine, August 2008, France, front cover using UNTITLED 002 by Karel Martens



Q. I would imagine the use of the patterns is completely up to each individual (customer), but is there any example of use that you’d like to suggest? Or have you had any interesting ideas or actual usages by others that you never thought of?

A. Yes I encourage people to use the patterns in as many different ways as possible, and that idea really excites me, in that way the thing the pattern is applied to becomes personal and different to that of another with the same pattern. From a tie to a wallpaper. I would like to suggest underwear, kitchen tiles, bedding, wrapping paper, bookend pages, blanket, and scarves.


Q. 図柄をどう活用するかというのはそのひと次第だとは思うのですが、何かおすすめできる使用例などはありますか?面白いアイデアの例なども教えてください。

A. まったくそのとおりで、とにかく好きなように自由に使ってほしいと思います。一人一人の使い方によって、同じパターンが全く違うものになると思うのです。ネクタイ、壁紙、下着、キッチンタイル、寝具、ラッピング、本の内側、ブランケット、スカーフ、といったところでしょうか。

Liana OdeonによるDAZZLEを使用したドレス
Dress designed by Liana Odeon using DAZZLE


Q. A technical question. On the website it says, “The patterns are available for use in 3 different ways; digital download, print-per-order and an evolving preprinted range of products.” – when the patterns are in digital format, is it like … Adobe illustrator swatch pattern file? Jpeg, or something else?

A.If a customer needs a pattern digitally yes you can receive the pattern as a vector based file, and a few of the patterns which are not so geometric are hi-res tiff files. If you need a pattern printed onto a fabric we are hoping to service this need in the not to distant future.


Q. 技術的な質問ですが、フォーマットはデジタル、プリント、そして製品化されたパターンの3種類で購入可能、とあるのですが、具体的にはどんなものですか?

A. デジタルの場合、必要であればアドビイラストレータなどで使えるベクトルデータまたは画素数の高いtiffファイルで渡しています。プリント布地といったニーズにも近いうちに対応していきたいと思います。

シルク生地にSWIRLがプリントされている様子
SWIRL pattern being printed through an ink jet printer onto silk fabric



Q. How would you like to develop the project further?

A. The archive will grow so the future will see a lot more patterns from a lot more people including those that have done patterns already, hopefully a lot of special projects and collaborations with different places and product designers. Also educational initiatives such as workshops and programs in different institutions and schools in America, Europe and Japan.

Q.これからどんな方向で展開させていきたいですか?

A. デザインがどんどん増えてきているので、作家の数も増やしていきたいし、いろんな場所やプロダクトデザイナーとのプロジェクトをこなしていきたいです。それからアメリカ、ヨーロッパ、日本などの学校とのワークショップなどもやっていきたいですね。
The Pattern Foundry
http://www.patternfoundry.com/

INFO: Yuichi Higashionna’s first solo exhibition in New York

東恩納裕一さんのニューヨークでの初個展が Marienne Boesky Galleryで10月11日より開催されます。
Yuichi Higashionna‘s solo exhibition will be on show at New York’s Marienne Boesky Gallery from 11th October. This will be the artist’s first solo exhibition in New York.
YUICHI HIGASHIONNA exhibition
Marianne Boesky Gallery PROJECT SPACE
Dates: October 11 – November 1, 2008
*Opening Reception : October 10, 6–8pm
Address: 509 West 24th Street, New York, NY 10011 
t. 212-680-9889 f. 212-680-9897 
Opening hours: Tuesday – Saturday, 10am – 6pm