INFO: Chris Rubino “The Center of Something”

6月はじめにCALM & PUNK GALLERYでのTIME CHANGES展にも参加していたアーティストChris Rubinoから、彼の本拠地でもあるニューヨークでのエキシビションの模様が届きました!
Chris Rubino, who recently exhibited at CALM & PUNK GALLERY’s “TIME CHANGES” exhibition, had a solo exhibition in New York.


“The Center of Something”と名付けられたこちらのエキシビションは観光客向けのお土産店をテーマとしたもの。個展会場はタイムズスクウェアにあり、数多くのお土産屋さんが立ち並ぶエリアでもありますが、Chris Rubinoの用意したお土産はただのお土産ではないようです。
Taking Chashama Gallery in Times Square as a venue, the exhibition “The Center of Something” plays with the theme of a souvenir shop with a hint of irony.


マンハッタンが描かれたスクリーンプリントはよく見るとマンハッタン島の大地主たちの名前で区切られていたり、薬品風の瓶にはセントラルパークやイーストリバー、コニーアイランドなどから採集されたサンプルが入っていたりと、、ちょっぴり毒気のあるユーモアが込められています。ほかにもスクリーンプリントやTシャツなどが並び、地元ニューヨーカーをもうならせる、類稀なお土産屋さんの誕生となったようです。
On show were silk-screened prints and t-shirts as well as samples from Central Park, the East River and so on packed into jars! The “shop” should have wowed New York locals who would never usually even go near souvenir shops!


Chris Rubino

chrisrubino.com
studio18hundred.com

INFO: THE NORTH FACEキッズアートキャンプ参加者応募中!


もうすぐ7月。お子さんのいらっしゃるご家庭では夏休みの旅行、レジャーの計画の時期ではないでしょうか?今日はアートとアウトドアキャンプ、この二つを融合させたキャンプイベントの情報をお届けします。
「こどものためのアートキャンプ絵本の森にでかけよう!-KIDS ART CAMP-」と題されたこのキャンプでは、3人のアーティストがメッセンジャーとなり、「火起こし」や「絵本」といった魔法で子供たちに夢を届けます。 福島県南会津の森を舞台に、アートワークショップを通して自然との共存を学べる、5感をフルに使うアートキャンプです。
詳細は「KIDS ART CAMP」ウェブサイトにてご確認ください:
http://www.hellogas.com/kidsartcamp/
お申し込み方法はこちらをご覧下さい:
http://www.hellogas.com/kidsartcamp/entry/
*先着40名限定の募集です、ご応募はお早めに!
「こどものためのアートキャンプ絵本の森にでかけよう!-KIDS ART CAMP-」
日程:2008年7月19日(土)〜7月21日(月・祝日海の日)
場所:会津山村道場うさぎの森オートキャンプ場
   (福島県南会津町糸沢字西沢山3692-20)
定員: 先着40名(対象年齢:小学1年生〜6年生)
参加費用:39,000円(税込み) 
     ※旅費、施設使用料、保険料、食費、テント等使用料含む
     ※参加者全員にオリジナルTシャツプレゼント
URL:http://www.hellogas.com/kidsartcamp/

主催・企画:株式会社ゴールドウイン ザ・ノース・フェイス
      オークトゥオールリレイションズ
      ガスアズインターフェイス株式会社NPO法人森の遊学舎
旅行企画・実施:アルパイン・ツアー・サービス株式会社

INTERVIEW: Gluekit part 2



お待たせしました。アメリカ東海岸を拠点とするデザイン、イラストレーションデュオGluekitのインタビューpart 2です。(Part 1はこちらをクリック)
Here’s the second part of Gluekit interview.
(Click here to read the first part of the interview.)
5. 最近の作品を見せていただけますか?
5. Could you please show us one of your recent works?


これはイェール大学アートギャラリーのメンバーイベントのポストカードです。
ギャラリーのアイデンティティ(テーマカラー)の色を使って、Louis Kahnの設計によるギャラリーのメインの建物の形を間接的に表現しています。限定的にかたちを使う事で、Kahnの設計のコンセプトでもある”シンプルな形の組み合わせによる複雑さ”に通づるようにしてるんです。制約があることで、文字の形もシンプルになり、それと同時に読むことを複雑にも、明確にもしていますね。
僕らのタイポグラフィーにも、作品にも共通している事ですが、立体的な文字を2次元、あるいは想定された3次元空間に展開することで生まれる緊張を楽しんでいます。この点でも、僕らの文字とそれ以外の作品はきちんと関連してると言えますね。
The 2008 Members’ Events postcard was created for the Yale University Art Gallery, to advertise a series of Spring events open to the public. The postcard uses a limited palette of colors based on the Gallery’s identity system and the forms reference the angular geometry of the Gallery’s main building, designed by the architect Louis Kahn in 1953. The limited use of shapes– circles, squares and triangles– references Kahn’s own geometric limitations and explores the creation of complex forms using simple shapes. The restrictions impose a simplicity on the letterforms themselves, and simultaneously complicate and clarify the reading of the letterforms.
Both our typographic and personal projects play with the tension between suggested 3-dimensional forms in 2-dimensional or simulated 3-dimensional spaces. So in that way, our personal work and our typographic work do relate, just not at a surface level.

(Doomsday, Faesthetic 2007)
このポストカードでは、文字の形の一部は立体的に見えていて、ほかの部分はすっかり平らになっています。つまり、その二つの要素の間に、押したり、引いたりという力関係が起きているんです。最近手がけているギリシャ映画雑誌 Cinemaの表紙(下画像)ではこの手法をさらに追求しています。
In the postcard, for example, some of the letterforms suggest, echo or mimic 3-D typography while other letterforms and elements are really flattened– there’s a definite push-pull tension between the sculptural and non-sculptural elements. This exploration is taken even further with our recent 200 cover for the Greek film magazine Cinema (the picture below).

この表紙にはグラデーションのかかったテクスチャで円柱を作り、深さや高さといった印象をあたえるようにしています。けれどもちろん実際の3次元ではなくて、3次元と2次元の形の組み合わせでカラフルなタイポグラフィーランドスケープをつくってみたというものです。
この平面と3次元の間の探検のようなものは、僕たちの今までの努力のから生まれたものと考えたいんですよね。僕が20世紀の終わりの子どもで生まれたときから「シミュレートされた3次元が、結局平面化されている」現象をテレビやコンピュータの画面でたくさん見てきたことと関係もあると思うのですが。でも同時に、それらは公園の遊具をつくるような、そして見る者を惹きつけるような、また楽しませるような文字作りの空想ゲームととも取れますよね。
For the cover design, we used gradient textures to create cylindrical forms and create an impression of depth and height. But of course, it’s not a realistic 3-D space, but an imagined marriage between 3-D and 2-D forms to simulate a colorful typographic landscape.
We like to think that this exploration of flat and 3-D space is threaded through many of our efforts. Maybe it’s because as children of the late 20th century, we’ve been exposed since birth to real and simulated 3-D space flattened by computer and television screens. But it’s also a kind of fantastical game– to create playscapes and imagine type that asks the eyes of viewers to take a longer look, or smile back at the work.


6. 2007年に始まったチャリティプロジェクトPart of itについて教えていただけますか?

Part of itは2007年の10月に始まったのですが、これは私たち、ほかのデザイナーやアーティスト、そして人々が世の中のあらゆる出来事や政治といったものとどうやったら生産的に、またポジティブに関われるだろうと長く真剣に考えた末に生まれました。依頼をうけたアーティストは気になっている問題の関心を喚起するようなデザインを作成します。そしてそのデザインを使った商品を販売し、利益の一部がデザイナー指定のチャリティに寄付され、残りがプロジェクトの運営に使われるという仕組みです。
僕らはこれを”キュレーションされた作品と商品のコレクション”ととらえていて、依頼をしているデザイナー、アーティストは皆、その作品や、個性的な視点、革新性やプロジェクトに対する考え抜かれたアプローチにおいて僕たちが敬意を抱いている人達ばかりです。今まで参加していただいた方の多くは以前一緒に仕事をしたり、同じプロジェクトに参加した事のある人達なのですが、単純に僕らがファンだったという人も含まれています。反応もすごくよくて、参加してくれた方の熱心さが、結果的にこのプロジェクトを成功に導いてくれたと思います。このプロジェクトは僕らの愛や希望が詰まっていると言えますね。ここから得る収入はなく、自分たちでもお金を出したり、時間をさいて運営していますから、誰にデザインを依頼するかに関してはかなり選んでいますけどね。草の根的な活動ですし、やりながら学んでいるという感じです。この春には初めての寄付を行いました。この活動が世界を揺り動かすようなものでもないことはわかっていますが、プロジェクトが形をなしていくのを見るのはとても嬉しいです。
依頼をするときはガイドラインのようなものがあるのですが、「チャリティ団体そのものではなく、問題に焦点があたるようにすること」、そして「ビジュアルが魅力的な事」。結構これは大変な事です。そして世界のいろんなところの人に声をかける以上、多様性を意識しました。そしてビジュアルも幅広いものになるように。それはアーティストの選択にも表れているでしょう。結果的にあがってきたデザインや、そして掲げられたてテーマの内容についてはとても満足しています。これからもっと大きくしていきたいです。
いまのところトートとTシャツだけの展開ですが、今後はほかのものも出てくるかもしれません。自分たちだけでこなせるように、生産数も少なくおさえています。街の小さなお店くらいのスケールですね。アメリカ国内だけでなく、日本やオーストラリア、デンマークなどからもオーダーがくるんですよ!このプロジェクトの成長を見ていくのが楽しみです。

6. You started “Part of It” in 2007. Could you tell us about this?

Part of It (www.partofit.org) is a charity-focused design project that we started in October 2007 after thinking long and hard about the way we– and other designers, artists, and the general public– could engage with matters in the world, and with politics (personal, regional, or global) in a productive, positive way. Part of It invites designers and artists to come up with a design to raise awareness about a cause or issue that they’re passionate about; a portion of the profits from sales of items with the design goes to a related charity designated by the artist, and the rest goes into sustaining the project.
It is a curated collection of work and products. We issue invitations to designers and artists we really admire– for their work ethic, for their distinct vision, and for their innovativeness and thoughtful approach to projects. Participants have been people we’d either worked with before or knew from joint work on mutual projects– but some have been folks we’ve just been fans of. We’ve been amazed at the positive response our proposals have garnered, and the enthusiasm from the artists when we approach them about this project has definitely helped make Part of It successful. We are selective about who we invite since the project is really a labor of love and hope for us– we’re not making any profit, and we invest our personal money and time into printing designs and filling orders. It’s a grassroots effort, and we’ve been learning a lot as we go along. We made our first cycle of donations this Spring, and though our contributions aren’t earth-shattering, it’s immensely pleasing to see the project fully conceptualized.
We do have a couple of guidelines for invited artists: the design should be broad enough to encourage dialogue about an issue, rather than about a specific charity—and we’d like the design to be visually appealing. It’s actually a very challenging request. When we made our initial invitations, we also thought a lot about diversity– having international and national representation and inviting artists who might have completely different worldviews. We also wanted stylistic diversity– a mix of typography and imagery– so that also played a part in who we sought out. We’ve been very pleased with the creativity and imagination of the artists we’ve asked to participate so far, as well as the diversity of issues and styles that are represented in the collection. And we definitely hope it continues to grow and expand.
So far we’ve been focusing on producing tote bags and unisex t-shirts; there may be other products in the future. Items are produced in very small runs; in order for the project to be manageable for us, since it’s run out of our studio, we run the entire operation on more of a boutique scale. It’s been a thrill receiving orders from Tokyo, Australia, Denmark, and beyond, as well as from across the United States. We’re really looking forward to nurturing the project and watching it develop further!

7. ところで…New Havenはイェール大学を中心とした街であり、全米屈指のデザインの大学院コースがある事でも有名ですが、あまりデザイン学生が卒業後も残るという話は聞きません。今もこの街に留まる理由はなんでしょう?New Yorkなど、ほかの場所に移る事を考えたことはありますか?

イェールを卒業した後、物理的な近さや、今まで築いた関係から大学から仕事を受ける事が多いことに気づいたのです。New Yorkに移るのは魅力的ではありましたが、ここに残るにも十分な理由があったのです。New Havenも結構にコスモポリタンな街ですし、大学には講演者、アーティストなどが頻繁に来ますから、刺激も受けるし考えを広げてもくれます。生活費も安いし、New York, Providence, Philadelphiaなどの街もそれほど遠くなく、気軽に行くことができます。
たしかにもっと気候がよいところに行きたいなとは思いますけど。あと写真をとるのに、セットを組んだりできるような所に住みたいです!LAやMiamiのSouth Beachもいいし、、ここを離れるときは、青空を追いかけていくでしょうね!

7. New Haven is known as being home to Yale University (which has a very reputable MFA programme for design!), but as far as I know, not many designers stay on after their studies…Is there any reason that you live in New Haven? Have you ever considered relocating to another area, like New York?

After graduating from Yale, we found that there were many opportunities and interesting projects that came to us given our proximity and connection to the University. Moving to New York was attractive, but there were enough convincing factors to keep us local. New Haven is pretty cosmopolitan as far as small American urban centers go; Yale brings in lots of speakers, artists, and great thinkers and that definitely keeps us inspired and tapped into an expanding network of ideas. The cost of living is also reasonable, and we are in easy visiting distance of New York, Providence, and Philadelphia– some of our favorite cities.
We do daydream about moving somewhere warm and sunny. And we’d love to live somewhere where we’d have space to build sets and create larger landscapes for some of our photographic projects. We really like LA, and also recently enjoyed some time in Miami’s South Beach. If and when we do move from New Haven, we’ll be following blue skies to our next destination!
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Gluekitの最新情報は以下のサイトからどうぞ!
Gluekit
www.gluekit.com
www.partofit.org
Gluekit’s blog:
http://gluekit.wordpress.com/

INTERVIEW: Gluekit part 1


デザイン、イラストレーションを中心にインディペンデントな活動を続ける二人組、Gluekit
雑誌のエディトリアルイラストレーションをはじめ様々なパーソナルプロジェクトもこなす彼らは、アメリカのインディペンデントグラフィックシーンのなかでも急速に頭角を現している。昨年始動した独自のチャリティプロジェクト‘Part of It’や デザインを手がけるYale University Art Galleryのカレンダーでは、アメリカ国内やヨーロッパからアーティストを起用するなど、キュレーター、プロジェクトコーディネーター的な一面も見せている。イェール大学のお膝元として知られるアメリカ東海岸の街New Havenに拠点を構え、独自のペースで活動を続ける彼らにインタビューを試みた。
Gluekit is an illustration and graphics team founded in 2002. Working from their studio in Connecticut, US, the pair keep themselves busy with many exciting projects— editorial illustrations in various magazines including the New York Times, GQ and Nylon, numerous personal projects and their own charity project ‘Part of It’. Atmosphere_blog talks to them to find out the secrets behind their versatile work.


1. Gluekitはどのようにしてはじまったのですか?

Gluekitは2人で構成されています。スタジオはコネチカット州のNew Haven郊外にあり、イラストとグラフィックを中心に活動しています。Gluekitという名前は、切ったり貼ったりという古典的なグラフィックデザインのプロセスや(注・glueは糊の意)、即席的に作られたイメージ、つまり、要素の並列や置換が予想やメッセージを裏切ったり、思いがけないものを生み出す…というようなことを匂わせた名前なんです。僕たちの作品を見てもらえばわかると思うのですが、いろんな断片がぶつかりあうことを意図的に起こしています。イメージを作ったり、複製したりということの複雑さを楽しみながらやっています。
GluekitはChristopherがYaleのGraphic DesignのMFA(修士)に在籍していた2002年にひとりで始めたんです。最初はローカルな音楽雑誌とか、レコードレーベルなどの仕事を中心に、デジタルコラージュっぽい作品をつくっていましたね。Kathleenが加わったのはその3年後のことで、きちんとメンバーになったのは2006年です。手書きの文字から、コマーシャルな仕事としてのワーク、写真やテクノロジーを使ったプロジェクトまで、いろいろやりました。そして去年はチャリティプロジェクトのPart of Itを立ち上げました。デザイナーやアーティストに、それぞれの関心事をテーマとしたデザインをつくってもらい、売り上げの一部を選んだチャリティ団体に寄付する、というものです。プロジェクトの立ち上げと運営は本当に勉強になりましたね。

1. Could you tell us how you got started?

Gluekit is a two-person illustration and graphic-making team based out of New Haven, Connecticut on the beautiful East Coast of the United States. The studio’s name, “Gluekit,” references the cut and paste mechanics of historical graphic design processes, and the contemporary nature of ad hoc imagery—how the juxtaposition and re-composition of elements can transform, challenge and subvert expectations and message, revealing the unanticipated. Much of our work is a purposeful collision of fragments; we enjoy exploring the complexities of image-making and image-reproduction.
Christopher founded Gluekit in 2002, while earning his MFA degree in Graphic Design from Yale University. During Gluekit’s early years, Christopher focused on creating digital collage-like illustrations for regional music magazines and working with a number of record labels, as well as pursuing self-directed projects and other creative opportunities. Kathleen began collaborating informally with Gluekit in 2005 and formally joined Christopher in 2006. Our work together has really covered everything from handmade type experiments to commercial illustrations and playful projects that utilize photography and explore the creative process in the 21st century. In 2007, Gluekit also launched a charitable design project called “Part of It”– we ask designers and artists we admire to create a design about an issue they’re passionate about, and donate a portion of profits from sales of their designed totes and t-shirts to a related charity they’ve designated. Curating the project and nurturing its growth has been a really great experience for the studio.


2.小さな頃からデザイナーやイラストレーターになりたいと思っていたんでしょうか?

Christopherは間違いなくそうでしょうね。根っからのビジュアル人間で、子供のときからペンシルバニア州のお絵描きコンテストなどで賞をとったりしてたんです。それがいわゆるデザインへの興味に変わったのは高校生のときで、ローカルなハードコアミュージックシーンにのめりこみはじめたころです。フライヤーやファンジンのデザインに始まって、最終的には音楽・洋服の通信販売の会社まで設立してしまいました。7年間も続いてたんですよ。大学ではペインティングとデザインを専攻しましたが、イラストやイメージメイキングに重点を置き始めたのはYaleに入ってからですね。Kathleenはもともとは歴史や文化学などを勉強していて、美術に関わりだしたのは20代後半ですね。最も、母親が立体作品やテキスタイルを手がけるアーティストなので幼い頃から環境はあったのですが。

2. Did you always want to be designers or illustrators?

Christopher definitely did! He’s always been a very visually-oriented person, and began winning drawing competitions in Pennsylvania when he was a boy. His interest in drawing and comics transformed into an interest in design in high school when he was drawn into the local hardcore music scene. He began designing fliers for shows, started a number of zines, and eventually founded a music and clothing mail-order company which he ran from 1994-2001. Christopher studied painting and design in college; during graduate school at Yale, he realized he had a growing fascination with illustration and expressive image-making. Kathleen, on the other hand, has a background in history and cultural studies but didn’t begin to explore the arts until her late 20s. Her mother is a sculptor and weaver, however, and gave Kathleen an early and lasting love for creative expression, craft, and color-play.


3.いわゆる仕事以外にもたくさん作品作りやプロジェクトをこなしていますが、時間などの配分はどうしているんでしょう?

とにかく作るのが好きですから、ノートにどんどんアイデアをかきためてるんです。周りにありふれているインスピレーション、見るもの全てを吸収しながらやっていく感じです。異なるふたつの要素をつなげる事、偶然を追求する事、一見つまらないもの、シュールなもの、高尚なものを探る事が好きですね。
仕事の依頼はその都度うけて、合間に自分たちのプロジェクトをやるようにしてます。仕事も作品作りも実は繋がっていて、片方で発見した事をもう一方で活かしたりということが起きるんです。ラッキーな事に Faesthetic, Exit Strategy, それともう廃刊してしまったThe Dramaのような雑誌には作品発表の場も与えてもらえました。締め切りがある事で、きちんと計画して作品をつくるきっかけにもなるのでとてもいいんです。

3. You seem to do quite a lot of non-commercial, self-initiated projects.
How do you divide time between your commercial work and personal projects?

We love to play and create projects– we have dozens of notebooks full of ideas for the future, things we’d like to do, and themes we’d like to explore. And we really find that inspiration is all around us; we’re sticky thinkers and absorb the visual world, pop culture, and everything that we encounter. We really love to make connections, explore coincidences, and examine the mundane, the surreal, and the sublime.
In terms of how we balance personal play with commercial work, we tend to take assignments when they come our way, and fill in lulls with personal projects. We really love what we do, and there’s a definite flow between commercial projects and personal work; we can experiment with techniques in one venue and then play with them in another.
We also have been really lucky to be invited to do a lot of self-authored work in conjunction with structured projects, for arts magazines like Faesthetic, Exit Strategy, and the now defunct The Drama. The deadlines that these venues create help us schedule in work sessions and propel us to make time outside of our commercial workflow.


4. Gluekitは相当な数の文字デザインを手がけていますよね?なにか決まった手法や、思考法、インスピレーションのもとなどはありますか?

文字は手書きでつくるんですが、オーガニックで手作りな感じがその特徴です。スケッチブックにあるものがもとになってますけど、そこにも次に挙げるようなテーマがあるんです:手書き風の、触れるような文字、立体としての文字、幾何学的な構成やかたち。色とテクスチャーも気を使います。歴史に関連するような展覧会や本に使われる文字のデザインのときは、図書館で本を山積みにして徹底的にリサーチしますよ。デザインと文字の使い方はプロジェクトや見る人の種類によります。釣り合いがとれていないとだめですからね。Helvetica や Bodoniのような古典的な書体も好きですが、やっぱり革新的な表現に満ちた書体をつくりたいって思うんですよね。
(パート2に続く。アップは月曜日を予定しています。)

4. I believe that one of Gluekit’s strengths is lettering. Is there any particular working methodology, thought process, or inspiration source involved in it?

Our hand lettering is really organic and homegrown. It comes straight from the Gluekit sketch books, and is rooted in a couple of separate themes: an interest in creating hand-drawn and tactile letterforms; creating dimensional type; and experimenting with geometric composition and forms. We also really love to use color and texture in our work. For certain type-driven projects– exhibition and book design tied to historically specific content– we do a lot of research in the library stacks, searching out inspiration and the feeling of the period. And the design and use of type always is contingent on the audience and purpose of a project– there needs to be a symmetry and a balance. As much as we like Helvetica and Bodoni, we’ve carved out a big place in our hearts for expressive type that pushes boundaries.
(End of part 1. part 2 will be posted on Monday.)
Gluekit
www.gluekit.com
www.partofit.org
Gluekit’s blog:
http://gluekit.wordpress.com/

INFO: Tomato’s new website

Tomatoのウェブサイトがリニューアル。
4年ぶりにリデザインされた新しいサイトでは全ての情報がトップページにインデックスとしてまとめられています。最新情報も続々とアップデートされているほか、過去のワークのアーカイブも充実。
Tomato’s new website has been launched. The new structure has a list of contents on the top page, making it easy to access the archived projects with just one click! Check out their latest news and their 17 year history!
TOMATO
http://www.tomato.co.uk/

INFO: Royal Academy of Fine Arts show 2008


6月12日から14日までの3日間、アントワープ王立芸術アカデミーのファッションショーが行われました!1年生から最終学年の4年生まで、全ての学生が作品を発表するこのショー、開催期間中は次なる才能を見いだすべく世界中からファッション関係者がこの街へと集まります。
厳しい進級審査を勝ち抜き、最終学年としてコレクションを発表したのは 日本人YUIMA NAKAZATOとYU FUKUMOTOを含む16名。審査員にはDior HommeのアーティスティックディレクターKRIS VAN ASSCHE、Dazed & Confusedの設立者JEFFERSON HACKなどが迎えられました。オフィシャルウェブサイトには今後、コレクションの写真がアップされる予定です。
待ちきれないという方は、ファッション情報サイトとして有名なコチラなどで一足先にチェックしてみてはいかがでしょう?
From the 12th to 14th of June, “SHOW 2008″, a fashion show from students at the ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS ANTWERP was held. The town of Antwerp was again busy with people from the fashion industry searching for new talents! This year, 16 students reached the 4th year, and jurors included Dior Homme’s KRIS VAN ASSCHE and Dazed & Confused’s founder JEFFERSON HACK amongst others. The pictures from the show will be uploaded to the official website soon. If you can’t wait to see them, you can also check out pictures from the show here.
ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS ANTWERP
FASHION DEPARTMENT
SHOW 2008

http://www.antwerp-fashion.be/SHOW2008/home.html

NEWS: TIME CHANGES report!

去る6/7、8日 CALM & PUNK GALLERYにてニューヨークからやって来た四人のアーティストによるエキシビションTIME CHANGESが開催されました。
人種も世代も作品メディアも異なる4人がそれぞれの作品を通じ、毎日の生活においての一つ一つの賢い選択がより良い未来、特別な明日につながる=TIME CHANGESという想いを込めて開催したのがこの展示。壁いっぱいに展示された作品によってギャラリー空間はまるでニューヨークさながら。初日のオープニングパーティーは多くの人でにぎわい、まさに”melting pot”な出来事となりました。
オープニングパーティーの様子

2日目にはアーティスト達によるトーク、そしてライブドローイングも行われました。
2006年のADC Young Gun受賞(30歳以下のアーティスト、デザイナーを対象としたADC主催の賞)という華麗な経歴をもつChris Rubinoはスタイリッシュな作品をスライドショーで見せつつ、創作への熱意と愛情を感じさせるプレゼンテーションを、Chris Mendozaは母国ニカラグアの情勢不安にともない家族でニューヨーク移住となった生い立ちや、建築家である父の影響、グラフィティへの出会いなど、自らの活動の原点から今までを、そしてAiko Nakagawaさんは自らの活動の歴史だけでなく、世界のグラフィティ、ストリートアートムーブメントの変遷を織り交ぜながらのトークを披露。トークのトリをつとめたのは、4人の中でも最長のキャリアをもつMartha Cooper。Hip Hopやグラフィティカルチャーの草創期を写真でドキュメントしたことで知られるMarthaですが、文化人類学を学んでいた過去や、60年代には日本で2年半暮らしていたという意外な日本との縁が明らかになりました!
四人四様の人生、そして制作の背景にあるストーリーは、展示作品に新たな次元を与えるかのようでした。
トークの最後にはQ&Aセッションも。
「アーティストを目指す若者にメッセージは?」ときかれてMarthaから飛び出したのは意外にも「ビジネスの側面を意識すること。」一瞬置いて、Marthaが続けます。「いわゆるビジネスの話ではないけれど、お金の面を意識するのはとても大切なことだと思います。若いアーティストは楽観的になりがち。けれど、経済的な心配は創作の妨げになります。私にも生活が楽ではない時期がありました。自分のやりたいことの足を引っ張らせないためにも、常にそのことを頭の隅に置いておいてくださいね。」自ら長年創作を続けてきただけでなく、多くのミュージシャンやアーティストの活動を見守ってきたであろう彼女の言葉には、包み込むような優しさがありました。またChris Rubinoは「常に行動をおこす努力も大事だよ。」とコメント。若くして成功した彼自身、きっとたくさんの努力をしてきたのでしょう。

(左からChris Rubino, Chris Mendoza, Martha Cooper, Aiko Nakagawa)
さて、トークのあとはChris Mendozaによるライブドローイング。
3面で構成されたボードにドローイングを施していくChris Mendosa。
実はこれ、Chris Mendozaと、建築家の小阿瀬直さんによるスペシャルコラボレーション作品なのです。

平面作品とおもいきや、、、立体オブジェに変身!

会場もChris Mendozaを囲んでひとつとなり、2日間のイベントを締めくくるにふさわしいパフォーマンスとなりました!

EVENT: Nina Beier & Marie Lund ‘A Circular Play’

6月13日よりワコウ・ワークス・オブ・アートにて、Nina Beier & Marie Lundによる日本初の個展 A Circular Playが開催。
A Circular play, an exhibition from the Danish London-based artist duo Nina Beier and Marie Lund, curated by Mami Kataoka is now showing at Wako Works of Art.

History makes a Young Man Old
2008, A crystal ball rolled to it’s destination, 10 cm diameter
(C) Nina Beier & Marie Lund, Courtesy of Wako Works of Art

デンマークに生まれ育ち、イギリス・ロンドンの王立芸術大学院に学んだ二人は2003年より共同で制作を開始。在学中の作品をベースとし、友人たちとともに作り上げた作品集Jan Familyは日本でも話題を呼んだ。卒業後は再び二人での制作を中心にしており、V1 Gallery(コペンハーゲン)や M+R Gallery (ロンドン), The Aarhus Art Building などでの個展や、バーゼルのLISTE, the Young Art Fairへの参加、Tate Modern, ICAなどでパフォーマンスを行うなど、その活動範囲を世界へと広げている。
Nina Beier and Marie Lund have been working together since 2003, while studying at Royal College of Art. Their work derives from a shared fascination with group dynamics and the relations between people, be they awkward, fervent, polite or tender. Through creating situations with a simple set of instructions, the artists play with social customs and allow instinctive human reactions to be observed in their plainest form.
その作品の多くはグループ・ダイナミクスや人間関係に対する強い関心を基軸とし、社会的慣習のなかに存在する本能的な人間の反応を、シンプルにひきだすものである。

The Archives (World Peace)
2008, Frames, second hand peace poster, various sizes
(C) Nina Beier & Marie Lund, Courtesy of Wako Works of Art

今回のA Circular Play展では、今年はじめのTokyo Wonder Siteでのレジデンスプログラム中に制作された古いポスターを用いたArchives (World Peace)やクリスタルボールの表面に痕跡を残したHistory Makes A Young Man Oldなどが発表される。ほかにも映像やインスタレーションなど、ギャラリーの2部屋を使用した展示が予定されている。
New works by Beier and Lund made during and after their residency in Japan at Tokyo Wonder Site – Institute of Contemporary Art and International Cultural Exchange from February 1 to March 31, 2008 will be on display in the two rooms at Wako Works of Art. The artists are currently working on a series of new works, which deal with the writing of collective history with a focus on the dynamics between the shared and the individual identity, and examine how history is assembled in memory, recording, restaging and retelling. On exhibit will be: “The Archives (World Peace)”, a series of framed second-hand peace posters folded over themselves inside the frames; “History Makes a Young Man Old”, a crystal ball carrying the markings of having been rolled to its final destination (the gallery space), and a number of other new works of video and installation.

The House and the Backdoor
2007, Wood, glue and varnish, 18x25x35cm
(C) Nina Beier & Marie Lund, Courtesy of Wako Works of Art

Nina Beier & Marie Lund ‘A Circular Play’
WAKO WORKS OF ART
2008年6月13日(金)〜7月12日(土)
Until 12th of July 2008
〒160-0023
東京都新宿区西新宿3-18-2 サンビューハイツ新宿101-103
Tel:03-3373-2860
開廊時間: 11:00-19:00 日・月・祝日 休廊
Opening hours: 11am—7pm (Closed on Sundays, Mondays and public holidays)

EVENT: Glazed Paradise at DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA

ファッションとアートを同時発信するスポットとしてその存在を強く印象づける DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA にて、Mark Jenkins木之村美穂によるエキシビション『Glazed Paradise』が開催中。

Mark Jenkinsはパッキングテープによる人間や動物をモチーフとした彫像作品で知られる注目のアーティスト。そし て木之村美穂はロサンゼルスを拠点とし、資生堂やスワロフスキーなどの広告を手がけるプロデューサー&フィルム ディレクター。「Glazed Paradise (光沢のある一瞬のパラダイス)」と題された今展は、ふたりによるコラボレー ションエキシビションである。Jenkinsにとって日本初のエキシビションとなるだけでなく、木之村美穂による Jenkinsの作品メイキングムービーも公開されている点にも注目。アートとファッション、両分野を知り尽くす二人 がどのようにギャラリー空間を変化させるのか、ぜひその目で確かめてみて欲しい。

『Glazed Paradise』
日時:2008.5.24 (SAT)-2008.8.15(FRI)
場所:DIESEL DENIM GALLERY AOYAMA 2F
住所:東京都港区南青山6-3-3
TEL:03-6418-5323
営業時間:1F STORE 11:00~20:00
2F GALLERY 13:00~20:00
定休日:不定休
主催:DIESEL JAPAN
WEB: www.diesel.co.jp/denimgallery

EVENT: The Melting Pot Group Show「TIME CHANGES」 ワークショップ参加者募集

2008年6月7日(土)と8日の(日)二日間、西麻布 CALM & PUNK GALLERY「TIME CHANGES」 が開催されます。

New Yorkに住む4人のアーティストAiko NakagawaChris MendozaChris RubinoMartha Cooper。人種も世代も作品メディアも異なる4人がそれぞれの作品を通じ、毎日の生活においての一つ一つの賢い選択がより良い未来、特別な明日につながる=TIME CHANGESという想いを込めてストーリーを展開します。会場には、写真、ドローイング、シルクスクリーン、絵画といった彼らの創りだす多様な表現世界が広がります。地球上から様々な個性が集まり一つの社会を形成する街New Yorkの雰囲気を、東京の真ん中で体感することができる貴重な展覧会です。
6月8日(日)14:00 – 17:00 にはワークショップも予定されており(参加無料/ドリンク代別)、現在参加者を募集中です。詳しくはギャラリーウェブサイトをご覧ください。
TIME CHANGES
会期:2008年6月7日(土)、6月8日(日)
※6月7日(土)に、オープニングパーティーを開催いたします。(18:00 – 21:00)
※6月8日(日)に、ワークショップを開催いたします。(14:00 – 17:00)
※13:00 – 14:00 ワークショップ準備の為CLOSEいたします。
時間:11:00 – 18:00
入場:無料 (ワークショップ参加無料 / ドリンク代別)
会場:CALM & PUNK GALLERY (カームアンドパンクギャラリー)
   〒106-0031 東京都港区西麻布1-15-15 浅井ビル1F
TEL:03-3401-0741
協力:NEXTIDEVOLUTION, CALM & PUNK GALLERY, ガスアズインターフェイス株式会社
オフィシャルウェブサイト:http://www.time-changes.com/
TIME CHANGES“, an exhibition from four New York artists- Aiko Nakagawa, Chris Mendoza, Chris Rubino & Martha Cooper – will be held at CALM & PUNK GALLERY. The artists, who come from different cultural backgrounds and use different media for their expression, will make a story based on the idea of;
“every single wise choice in everyday life will lead to a better future and a better tomorrow = TIME CHANGES”.
The gallery space will be filled with photographs, drawings, silkscreen prints and paintings. The exhibition will provide an opportunity to feel the “melting pot” of New York in central Tokyo.
The Melting Pot Group Show “TIME CHANGES”
Dates: 7th-8th June 2008
Opening hours: 11am-7pm
Admission Free
The gallery will be closed from 1pm–2pm on the 8th for the preparation of workshop.
Opening reception: 7th June , 6pm–9pm